Canciones para los días de la vida

Gran show gran este jueves

2012-02-13T13:06:00.002-03:00

Les dejo el link de una nota que escribí para Mundo Flaneur, con referencia al gran recital que compartirán Florentino y Adanowsky (el hijo de Alejandro Jodorowsky, que una vez más viene para acá) este jueves:
http://www.mundoflaneur.com/arte/musica/florentino-adanowsky/

Siguiendo los pasos del maestro

2012-02-10T10:10:00.002-03:00

Les dejo un par de cosas muy lindas para leer y escuchar:
Eduardo Berti, autor del imprescindible libro Spinetta - Crónica e iluminaciones: http://www.lanacion.com.ar/1447264-la-luz-de-un-artista-generoso
Los periodistas Sergio Marchi y y J. A. Badía: http://lomejordelosmedios.blogspot.com/2012/02/homenaje-spinetta-de-sergio-marchi-en.html
Pipo Lernoud (no necesita presentación): http://www.lanacion.com.ar/1447263-un-ser-especial-que-veia-mas-alla
Cris: http://www.ambito.com/diario/noticia.asp?id=623718

Los 5 mejores singles

2012-02-01T12:25:00.002-03:00

Antes de que los Beatles sacaran Sergeant Pepper en 1967, el single era mucho más importante que el album, tanto para la banda como para el público y la discográfica. Lo notable es que esos pequeños discos con un tema de cada lado contenían muchas veces canciones que luego no eran incluidas en los long-plays. Con los años, esa costumbre se fue perdiendo: los temas del lado A siempre están en la lista del album y ahora sólo quedan los lados B para las canciones que por alguna razón fueron descartadas del disco que deberían haber integrado.
Para hacer esta lista, elegí 5 singles publicados en los años 60 cuyos temas no fueron luego incluidos originalmente en ningún LP.
Del quinto al primero, son estos los elegidos:
5- “Arnold Layne” / “Candy and a Currant Bun” (Pink Floyd, 1966): pura psicodelia es el primer single de Floyd, producido por el gran Joe Boyd. El lado A contiene una divertida letra de Syd Barrett acerca de un ladrón de ropa femenina.
4- “Happy Jack” / “I’ve been away” (The Who, 1966): difícil elegir sólo un single de los Who, ya que en sus orígenes hicieron muchos. El lado A es una genialidad de Pete Townshend para lucimiento de la batería de Keith Moon; el B, una oscura joya de John Entwistle.
3- “Dead End Street” / “Big Black Smoke” (The Kinks, 1966): dos temas de la época del disco Face to Face. “Dead End St”, una típica fábula contemporánea de Ray Davies sobre las dificultades de una vida que es un callejón sin salida, alcanzó cierto éxito en el Reino Unido pero pasó desapercibida en los Estados Unidos.
2- “Penny Lane” / “Strawberry Fields Forever” (The Beatles, 1967): un verdadero “doble lado A” que en el que los Beatles homenajean al Liverpool de su infancia. “Penny Lane” es una de las grandes composiciones pop de McCartney; “Strawberry Fields…”, de Lennon, la mejor canción de los Beatles psicodélicos. En EE.UU., fue incluido dentro del album Magical Mistery Tour, pero esa fue una idea de la discográfica. En el Reino Unido esas canciones se editaron sólo como single.
1- “Jumpin’ Jack Flash” / “Child of the Moon” (The Rolling Stones, 1968): este single encuentra a los Stones justo en el punto de quiebre entre la psicodelia y una nueva etapa rockera. El riff de “Jack Flash” siempre es mencionado como uno de los mejores de la historia. “Child of the Moon”, en tanto, es un favorito de los fanáticos de las rarezas Stones.

El mejor Bill Wyman

2012-01-16T11:03:00.001-03:00

El mejor Bill Wyman no es el de los primeros discos de los Rolling Stones. Ni él ni sus compañeros habían llegado a desarrollarse completamente como músicos en aquella etapa inicial a comienzos y mediados de los 60. Eso no les impidió hacer discos geniales.
El mejor Bill Wyman tampoco es el de la época dorada de los Stones, desde Beggar’s Banquet (1968) hasta Exile On Main Street (1972), cuando la banda alcanza su cenit y define para siempre el sonido del rock and roll clásico, mezclando definitivamente a la música negra (Chuck Berry, el blues y el soul) con la blanca (el country y el folk).
El mejor Bill Wyman recién aparece en Some Girls (1978) y se queda hasta Still Life (1981) y, por qué no, Undercover (1983). Su bajo levanta vuelo en este momento tan especial de una banda que buscaba aggionarse a los nuevos tiempos punk, disco y new wave. Mucho se ha dicho sobre su notable performance (mil veces copiada) en “Miss You”, el single de 1978 con el que los Stones experimentan con la música disco. Ese puntapié inicial está acompañado en Some Girls por otras pequeñas grandes joyas del bajo de rock. En “Respectable” o “Lies”, Jagger lleva a los Stones al territorio punk, aunque el resultado dista mucho del sonido de los Ramones y esto se debe principalmente a que la gloriosa base formada por Bill Wyman y Charlie Watts suena muy “suelta” y su versatilidad escapa a la dureza del punk (género que también tuvo grandes bajistas y bateristas, pero de un estilo muy distinto al de “viejos” de treinta y pico acostumbrados a tocar y escuchar música negra).
Bill se luce también en Emotional Rescue (1980) y Tattoo You (1981). El riff de Richards en “Start Me Up” es una joya, pero escuchen ese bajo que se mueve por detrás… es la frutilla del postre. Lo mismo pasa en “Satisfaction” (1965): el riff es determinante, pero el bajo que grabó Wyman le agrega la “onda” necesaria en cualquier hit.
Pero volvamos a principios de los 80 y enfoquémonos en el sonido en vivo de los Stones, registrado en Still Life y en algunas grabaciones piratas como Hampton 1981. Por alguna razón que no se me ocurre, Wyman parece “liberar” su bajo más de lo que estaba acostumbrado y lo deja ir más allá de la base. Las versiones en vivo de “When The Whip Comes Down”, “Just My Imagination” o de viejos temas como “Let’s Spend The Night Together”, “Under My Thumb” o “Let It Bleed” suelen mostrar a un bajo que levanta vuelo junto con una de las dos guitarras y un saxo, mientras la otra viola mantiene la base junto a la batería de Charlie Watts y los teclados invitados de Ian Stewart e Ian McLagan. Se trata de toda una novedad en el sonido de los Stones, más acostumbrado a la fórmula clásica de base (guitarra rítmica + bajo + batería) y una guitarra solista.
Es cierto, el sonido de algunas canciones se vuelve un poco más frenético y hasta desprolijo, pero me gusta: es un momento de la banda en que las canciones suenan distintas. Los 70s ya pasaron y los 90s/00s los encontrarán con una afianzada base de colaboradores (Chuck Leavell en piano, Lisa Fisher y Bernard Fowler en coros, etc.) que unificarán el sonido de las distintas giras. Así que vale la pena prestar atención a este raro período Stone y especialmente a su silencioso bajista, que durante este período termina de ganarse un lugar entre los mejores de la historia del rock.

CSNY & J

2012-01-09T12:06:00.004-03:00

Los genios de la revista Mojo encontraron toda una rareza en Youtube: una presentación de Crosby, Stills, Nash & Young en televisión (parece que de 1969) con un muy conocido cantante pop como invitado. Juntos hacen una excelente versión de "Long Time Gone", gran tema de Crosby que fue incluido en el primer disco de Crosby, Stills and Nash.
Acompañan a la banda sus habituales colaboradores por aquella época, el bajista Greg Reeves y el baterista Dallas Taylor.

Noticias de los Thrills

2012-01-05T11:41:00.002-03:00

¿Queda todavía por ahí algún seguidor de The Thrills como yo? Si es así, le cuento que en los últimos meses surgieron algunas noticias:
1- actualizaron su sitio web, www.thrills.com, con información del flamante compilado 2002-2007
2- ahí mismo también puede escucharse una selección de los temas preferidos de Conor Deasy
3- además lanzaron una página de Facebook: http://www.facebook.com/pages/The-Thrills/213905168630067?ref=ts
4- y, por último, el baterista Ben Carrigan sigue activo en la música con su disco solista, The Greatest Narrators

Todo esto no asegura la vuelta del grupo, pero por lo menos hay señales de que el paciente está vivo...

Gruen en el Borges

2011-12-29T13:01:00.003-03:00

Mis tres fotos preferidas de la exposición de Bob Gruen, actualmente en exhibición en el Centro Cultural Borges (Galerías Pacífico).

En la primera está Debbie Harry (Blondie), la segunda es una genialidad con Johnny Rotten y Sid Vicoous (Sex Pistols) arriba de un avión y la tercera es verdaderamente emblemática del rock de los 70s: los fabulosos Led Zeppelin con el avión con el que viajaban por Estados Unidos, el Starship

Los mejores 11

2011-12-22T12:53:00.001-03:00

Una nueva edición de estos clásicos premios de Hoy Amaneció.
Música:
Mejores discos de rock internacional: The Whole Love (Wilco), Angles (The Strokes). Mejor disco nacional: La Autopista Corre Del Océano Hasta El Amanecer (Valle de Muñecas). También me gustó “Shaman Y Los Hombres En Llamas” (ídem).
Algunas canciones de rock internacional que me gustaron: “The Roller” (Beady Eye), “Art Of Almost” (Wilco), “Machu Picchu” (The Strokes).
Algunas canciones de rock nacional que me gustaron: “Gotas En La Frente” (Valle de Muñecas), “Las Momias” (Flopa-Minimal), “Cabiria” (Florentino).
Mejor show internacional en BA: John Fogerty en el Luna Park. También me gustaron Marianne Faithfull y Roger McGuinn en el teatro Coliseo, Black Rebel Motorcycle Club en Niceto, Primal Scream y The Strokes en GEBA.
Mejores shows nacionales en BA: Flopa-Minimal en Ultra, Blues Motel en La Trastienda (diciembre), Valle de Muñecas y normA en Niceto (noviembre).
Etc.:
Películas: Medianoche en París, Que la cosa funcione, Medianeras, Un cuento chino.
Mejores programas de TV: Clase Turista, Sportscenter. El de Francella en Telefé también estuvo bueno, no me acuerdo el nombre.Mejores programas de radio: La Casa del rock naciente y Futuro Imperfecto.
Algunos comentarios:
- Fue un año de notables recitales del rock local y visitas impensadas. ¿Algún día esperábamos ver a Primal Scream haciendo Screamadelica en vivo? ¿O a Roger McGuinn y su fantástica Rickenbacker de 12 cuerdas? Yo no.
- Como siempre, es imposible escuchar todos los discos que uno querría, especialmente si uno quiere comprarlos y no escucharlos por Internet. Por eso, se quedan afuera de estos premios un montón de artistas que sacaron discos este año y que seguramente están muy buenos (Thuston Moore, Nick Lowe, Superheavy, Pez, normA y tantos otros). Lo mismo sucede que con los recitales, ¡no se puede estar en todos lados!
- El lector atento descubrirá que no puse al recital de Ringo como uno de los mejores del año… quiero aclarar que, como momento emotivo, fue seguramente el número 1, pero musicalmente los que elegí fueron muy superiores.
- Vale destacar entre las radios a Nacional Rock (93.7 FM), ESPN 107.9, Blue 100.7 (¡pasan temas de The Thrills!) y Uno 103.1 (¡pasan temas de Wilco!).

Un tal Roger McGuinn

2011-12-12T11:04:00.002-03:00

Mañana toca en Buenos Aires uno de los 20 artistas más importantes de la historia del rock: Roger McGuinn.

Si usted no sabe de quién estoy hablando, puede ingresar a:

http://www.mundoflaneur.com/arte/musica/un-tal-roger-mcguinn/

y saber más sobre esta leyenda del rock

Tu nombre sobre mi nombre: Arranco diciembre con los Diciembristas

2011-12-01T16:43:00.005-03:00

Qué bueno diciembre... qué gran mes... se vienen las vacaciones, la playa, los días cada vez más lindos... para acompañar esta gran época del año se me ocurrió muy apropiadamente comprarme el último disco de The Decemberists, The King Is Dead. Hacía rato que le tenía ganas a este grupo de Portland, Oregon y afortunadamente algunos de sus discos han sido editados localmente, así que fue fácil conseguir The King... editado este año.
Si tuviera que describirlo en poquísimas palabras, diría que parece un disco del Neil Young más country robándole algunas melodías a REM. La cita a la banda de Athens, Georgia (recientemente separada) no es casual: Peter Buck suma su guitarra en varios temas de The King Is Dead.
¿De dónde proviene el nombre de la banda? Un stonólogo diría que son fans de aquel gran y no muy recordado disco de 1965 llamado December's Children (and Everybody's). Pero no, parece ser que el nombre proviene de una revolución ocurrida en Rusia en diciembre de 1825, conocida como la Revuelta Diciembrista. ¡Extraño lugar para sacar el nombre de una banda de rock!

Valle de Muñecas y normA en Niceto

2011-11-17T13:43:00.002-03:00

La gente amiga de Mundo Flaneur me invitó a escribir en su web y aquí pueden leer mi primera colaboración, una crónica del gran show que dieron Valle de Muñecas y normA en Niceto la semana pasada:
http://www.mundoflaneur.com/arte/musica/valle-de-munecas-y-norma-en-niceto/
Disfruten además de las fotos gentileza de Planeta del Cangrejo.

Los sónicos, un buen intento en TV

2011-11-14T11:09:00.003-03:00

Hace un par de semanas, el pésimo canal 9 comenzó a emitir los domingos a las 22 Los Sónicos, una tira de ficción producida por Gastón Portal. La historia está narrada en Buenos Aires simultáneamente en dos épocas distintas:
- la primera, alrededor de 1970, en la que un grupo de jóvenes tenían una banda de rock llamada Los Sónicos convivía en una casa comunitaria con otros;
- y la segunda, en la actualidad, cuando esos jóvenes ya tienen 70 años y siguen siendo amigos.
El detalle importante es que, allá por los 70s, el líder de la banda sufrió un accidente y estuvo internado en un hospital hasta despertar en la Buenos Aires de hoy: es un joven atrapado en el cuerpo de un viejo.
La historia, más comedia que drama, está buena (sin ser nada deslumbrante) y, como corresponde, está musicalizada con mucha música de los 60s y 70s, lo cual siempre es muy disfrutable. Si bien las actuaciones y los textos de Los Sónicos cuando jóvenes dejan algo que desear, sí es muy divertido ver a Hugo Arana, Roberto Carnaghi y el resto de la banda transitando la Buenos Aires actual mientras le explican a su viejo amigo cómo han cambiado las cosas durante esos 40 años en los cuales estuvo inconsciente.
El cápítulo de ayer terminó prometedor, con los cuatro "abuelos" que deciden reformar Los Sónicos y sacarse una foto con la Torre de los Ingleses de fondo, emulando la histórica tapa del primer disco de The Who (muy buen momento). Y los avances del próximo capítulo adelantaron una escena muy divertida en la que se encuentran con los Babasónicos y los acusan de plagiar una canción. Supongo que en Youtube se podrá ver pronto. Aquí una promo publicitaria:

4 obras sobre los puntos cardinales

2011-10-25T13:44:00.000-03:00

Norte, sur, este, oeste… los puntos cardinales han inspirado muchas canciones. A continuación, una serie al azar de cinco menciones a los puntos cardinales en la historia del rock:
1- “Girl From The North Country”, de Bob Dylan (incluida en The Freewheelin’, de 1963): una de las grandes canciones de amor de Bob, luego regrabada con Johnny Cash en el disco Nashville Skyline, de 1969. ¿Quién es la chica aludida en el título? Se han tejido distintas teorías. Puede que sea un recuerdo compuesto por Dylan en Nueva York dedicado a alguna de sus novias de la adolescencia.
2- “Southern Man”, de Neil Young (incluida en After The Gold Rush, de 1970): un verdadero clásico si los hay, este himno de Neil contra la discriminación racial de los estados sureños norteamericanos desató otro clásico como respuesta: el “Sweet Home Alabama” de Lynyrd Skynyrd. La pelea quedó en la música nomás, y ambas partes hicieron las paces luego de sus canciones. El mismo título, pero en castellano, fue usado por Guasones en un tema de su primer disco, un lindo folk con aires a León Gieco.
3- “En el oeste está el agite”, frase de “El 38”, de Divididos (incluida en el disco Acariciando Lo Áspero, de 1991): una frase clave y un disco clave para entender el rock nacional de los 90. “El 38” es uno de los grandes clásicos del trío y esta frase llegó hasta los trapos de algunas hinchadas.
4-“East-West”, segundo disco de The Butterfield Blues Band, publicado en 1966: el notable grupo pionero del blues blanco eléctrico norteamericano denominó a su segundo album “Este-Oeste”, vaya uno a saber por qué. Elvin Bishop y Mike Bloomfield se sacan chispas con sus guitarras en una serie de clásicos del género.

Nota a pedido: qué significa Dylan para mí

2011-10-13T09:39:00.003-03:00

Venía con ganas de escribir algo sobre Dylan por dos razones: los últimos e interesantes posts de Kioskerman sobre Bob y la nueva Rolling Stone, con sus 70 mejores canciones según un jurado de notables que incluye a varios especialistas y músicos.
De pura casualidad, mi amigo Kioskerman me invitó a escribir qué significa Dylan para mí. Si quieren ver mi respuesta, pueden clikear aquí y de paso visitar uno de los mejores y más originales blogs de esta parte del mundo.

Wilco en vivo

2011-10-12T09:42:00.004-03:00

Mi amiga Anita de http://www.planetadelcangrejo.com.ar/ tuvo la suerte de acreditarse como fotógrafa en el show que dio Wilco el mes pasado en Boston y consiguió sacar unas fotos espectaculares que se pueden ver clikeando aquí

¡Ojalá pronto los tengamos por acá y en este blog podamos compartir fotos de Wilco en vivo en Buenos Aires!

Qué difícil fue elegir una... me quedo con esta de un exultante Jeff Tweedy tocando su preciosa Rickenbacker:

Y ya que están, pasen y vean aquí sus fotos del recital de los Fleet Foxes en Williamsburg, NY, que también están buenísimas.

“We wanna be free… We want to get loaded”

2011-09-28T15:48:00.000-03:00

Hoy nos visita Primal Scream y su particular estilo que une al más clásico rock and roll con el rock Indie y la música dance. La crítica y el público aún hoy se saca el sombrero ante Screamadelica, su disco de 1991, en el que propusieron esta particular fusión de géneros.

Uno de los puntos altos de Screamadelica en “Loaded”, una extraña mezcla de música dance con toques funkies. Desde el comienzo, y a lo largo de la canción, una voz (que no es la del cantante Bobby Gillespie) repite un discurso que suena muy hippie: “We wanna be free… to do what we want to do” (“Queremos se libres… para hacer lo que queramos”) es una de las frases más reiteradas a lo largo de la canción.

Esta frase fue tomada de una película de 1966 llamada The Wild Angels, dirigida por Roger Corman y protagonizada por Peter Fonda y Nancy Sinatra. La voz es del propio Fonda y el productor Andrew Weatherall la sampleó y agregó en la canción. Abajo pueden ver la escena correspondiente a su discurso.

Los músicos de Primal Scream son muy cinéfilos. Otro ejemplo es el título de su disco Vanishing Point, de 1997, que fue copiado de una película de 1971 dirigida por Richard Sarafian.

Grandes personajes: hoy, Jerome Green y Bo Diddley

2011-09-23T10:19:00.001-03:00

La historia del rock no está hecha solamente de guitarristas, bateristas, bajistas y tecladistas, sino que registra instrumentistas muy diversos. Hay veces que una banda o un disco debe su estilo y su sonido a un toque particular dado por un determinado instrumento.
Por ejemplo, a fines de los años 60 Santana revolucionó el rock al mezclarlo con sonidos latinos, y sus percusionistas Mike Carabello y José Chepito Areas cumplían un rol fundamental en la banda, además tener su crédito en las composiciones. Los Redonditos de Ricota no podrían existir sin un saxofón (¡está presente en casi todos sus temas!). El disco Desire (1976), de Bob Dylan, lleva en su esencia misma el sonido del violín de Scarlet Rivera, una mujer que tocaba en la calle. Un día, Dylan la vio y, sin pensarlo mucho, la invitó a sumarse a las grabaciones y a su gira Rolling Thunder Revue.
Sin embargo, ¿alguna vez escucharon hablar de un maraquista? El caso de Jerome Green es, hasta donde yo sé, único. Su nombre ha quedado en un segundo plano (ni siquiera figura en Wikipedia), por eso vamos a reivindicar a este personaje.
A comienzos de la década de 1950, Jerome trabajaba como músico para los artistas del legendario sello Chess, la casa de algunos de los bluseros más importantes de todos los tiempos. Si bien participó en grabaciones con Chuck Berry y Willie Dixon, entre otros, su principal aporte lo hizo tocando maracas al lado de su amigo Bo Diddley (o Ellas McDaniel, tal como firmaba sus temas), uno de los pioneros negros del rock and roll, uno de los primeros en incorporar mujeres al rock (siempre era acompañado por una guitarrista rítmica) y un excéntrico creador de efectos de sonido y de guitarras de las formas más extrañas, entre otras rarezas.
¿Cuál era el secreto de su exitoso sonido? Jerome movía las maracas a todo ritmo y se complementaba a la perfección con la forma en que Bo Diddley tocaba su guitarra Gretsch. Parece rarísimo pensar que alguien pueda dedicarse solamente a tocar este instrumento de percusión, pero así era. Es que Diddley no quería copiar solamente ese blues eléctrico de sus compañeros de Chess como Muddy Waters o Howlin’ Wolf. Acompañado por las maracas de Jerome, tocaba simple pero con más ritmo, como si la sangre caliente de sus antepasados africanos estuviera más presente que nunca en esa música eléctrica. Era el verdadero nacimiento del rythm and blues: simplemente un blues más acelerado, cantado por un negro, despojado de las influencias country & western que tenía el rock and roll de artistas blancos contemporáneos como Elvis o Johnny Cash. Otro rockero blanco, Buddy Holly, sí quiso imitar el sonido de Diddley, como lo demuestra uno de sus hits, “Not Fade Away”. The Who haría lo mismo en “Magic Bus” (un single de 1968), U2 en “Desire” (del disco Rattle and Hum, de 1989), y tantos otros artistas blancos copiarían el estilo guitarrístico de Diddley.
En 1964, Jerome se casó y decidió dejar de tocar con Bo. No hay muchos datos sobre su vida retirado de la música, aunque se sabe que murió en 1973. Mientras, el impresionante Bo siguió tocando hasta su muerte, en 2008, a los 79 años, aunque sin la fama que alcanzó en los 50s. En 1979, The Clash, banda que lo idolatraba, lo invitó a tocar en su gira norteamericana y, en los 90s compartió discos y escenarios con Ron Wood.
Esto es lo único que encontré de ambos tocando juntos en Youtube, una versión del hit “Bo Diddley” (sí, a este loco le gustaba incluir su nombre en el título de varias de sus canciones). Se nota que es una grabación de sus primeros tiempos, ya que Diddley no está usando una Gretsch, como haría durante buena parte de su carrera, ni está acompañado por Peggy Jones o The Duchess, sus primeras guitarristas mujeres:

El que faltaba

2011-09-16T12:19:00.002-03:00

Esto sí que me sorprendió:
¡Roger McGuinn en Buenos Aires!
¡El líder de los legendarios Byrds! Nos visitará el hombre que patentó ese sonido de folk rock tan particular con su Rickenbacker de 12 cuerdas. Habrá que salir a robar o sacar un préstamo en el banco, pero es imposible faltar a este recital.

Martes 13 de diciembre a las 21 en el teatro Coliseo
http://www.ticketek.com.ar/Conciertos/Rock-Internacional/ROGER-MCGUINN__ROGERMCCOLI

La que faltaba

2011-09-12T11:21:00.002-03:00

Ringo, Waters, Clapton, Pearl Jam, BRMC, Primal Scream… y podría seguir durante varios renglones más enumerando los artistas que nos visitarán en los próximos meses. La agenda de Buenos Aires no tiene nada que envidiarle a la de Nueva York, Londres o la ciudad que sea. Imprevistamente, la lista sumó hace muy poco un nombre inesperado: Marian Evelyn Faithfull, más conocida como Marianne.

El nombre puede sonar poco conocido para muchos. Algunos la recordarán sólo como la novia de Mick Jagger en los 60s y la coautora de “Sister Morphine”, el tema más oscuro de la discografía stone, incluido en Sticky Fingers (1971). Unos pocos la recordarán por su rol de actriz, en películas como la psicodélica The Girl on a motorcycle (1968), que a veces es programada por Europa Europa, o la más reciente La profesión de Irina Palm (2007).

Por último, un puñado quizás también sepa que inició su carrera como cantante siendo una adolescente, en 1965. En una rara jugada de promoción, el mismo día editó dos discos distintos por separado: uno más pop, que era lo que querían sus managers, y otro más folk, el género que le gustaba a ella. No era compositora y sus cualidades vocales eran muy limitadas, pero eso no impide que su música sea muy interesante, misteriosa e inocente a la vez, oscilando entre la luz y la oscuridad, en mi opinión lejos de otras cantantes de la época con Cilla Black.

El 22 de septiembre, Marianne se presentará en el teatro Coliseo acompañada por Marc Ribot, un conocido guitarrista que ha tocado en innumerables discos, como el de Robert Plant y Alisson Krauss, por ejemplo. El formato elegido me hace pensar que será un show al estilo de sus grabaciones con el guitarrista Jon Mark para la radio inglesa realizadas a mediados de los años 60, y recogidas en el notable Live At The BBC, editado en 2008.

Para terminar, un poco de música: los Hollies interpretan "Carrie Anne" en vivo, un tema que en realidad estaba dedicado a Marianne, aunque les dio vergüenza poner el nombre real de la homenajeada y por eso lo cambiaron:

Macanudo de hoy

2011-09-07T11:58:00.003-03:00

Me gusta cuando Liniers hace chistes relacionados con el rock. El que salió en La Nación de hoy está bueno.

Tu nombre sobre mi nombre: hoy, Black Rebel Motorcycle Club

2011-09-02T16:09:00.000-03:00

Cuando en 1953 se estrenó la película The Wild One (conocida en algunos países como ¡Salvaje!), el rock and roll apenas se encontraba en su etapa embrionaria en lugares como Memphis, Tennessee.

Este film sería citado muchas veces en la historia del rock, ya que la actitud rebelde y desafiante de Johnny Stabler, el personaje encarnado por un joven Marlon Brando fue una influencia para los primeros rockers americanos y británicos. Además, el look y especialmente la campera de cuero usada por Brando y sus pandilleros serían copiados hasta el hartazgo por miles de jóvenes teddy-boys hasta el día de hoy (basta como ejemplo buscar fotos de los Beatles antes de que Brian Epstein se cruzara por su camino).

Como decía, en aquella película dirigida por László Benedek, Brando lideraba a un grupito de jóvenes motoqueros que desafiaban usos y costumbres sin más motivos que su rebeldía. Los muchachos se hacían llamar Black Rebels Motorcycle Club (el Motoclub los Rebeldes Negros, o algo así). Casi 50 años más tarde, un trío de tomaría no sólo su nombre prestado sino también su actitud rebelde y desafiante para volcarla a un rock and roll que muchas veces suena crudo y ruidoso, pero no por eso deja de ser elaborado.

En unos meses, los porteños tendremos el lujo de poder volver a ver a los Black Rebel Motorcycle Club (sin “s”) del siglo XXI. Peter Hayes, Robert Levon y Leah Shapiro (reemplazante de Nick Jago) nos visitarán de nuevo el 8 de noviembre.

Aquí un fragmento de la película, chequeen la sigla BRMC en las camperas:

Especial Wilco: bonus track

2011-08-30T11:58:00.001-03:00

Ya había dado fin a esta serie de notas sobre Wilco, pero quería compartir con ustedes la historia de Todd Simeone, un restaurador de bicicletas que, a pedido de Jeff Tweedy, diseñó la Wilco Bike.

“No sólo el nombre "Wilco" me suena a marca de bici, sino que también, pensando en la música, honestamente no se me ocurre ninguna otra banda más que Wilco para que tenga una bici con su nombre. Wilco y andar en bicicleta me parecen una gran combinación”, explica Simeone, y yo suscribo sus palabras.

Simeone tardó meses en reconstruir esta joya, original de 1955. La Wilco bike se sorteará entre todos los que compren vía web el nuevo disco, The Whole Love.

La historia completa en:

http://wilcoworld.net/#!/interview-wilco-bike-maker-todd-simeone/

PD: ¡feliz cumple atrasado Jeff!

Especial Wilco V y último: Best Of

2011-08-19T12:16:00.002-03:00

Una de las razones por las cuales Wilco me cae bien es porque nunca editó un compilado. ¿Cuántas bandas de rock con más de 10 años de trayectoria no sucumbieron al facilismo de sacar un “Greatest Hits”? Muy pocas (en este momento, no se me ocurre ninguna). Se me ocurrió que podía jugar a crear mi propio “Best Of Wilco”, sin elegir necesariamente sus canciones más conocidas y con la obligación de incluir sólo dos canciones de cada disco en este compilado imaginario. El resultado es el siguiente:

Shouldn’t Be Ashamed (de A.M.)

Deeper Down (de Wilco The Album)

Hummingbird (de A Ghost Is Born)

Nothing'severgonnastandinmyway (again) (de Summerteeth)

Jesus, Etc (de Yankee Hotel Foxtrot)

The Late Greats (de A Ghost Is Born)

Monday (de Being There)

You never know (de Wilco The Album)

Impossible Germany (de Sky Blue Sky)

Passenger Seat (de A.M.)

Either Way (de Sky Blue Sky)

When You Wake Up Feeling Old (de Summerteeth)

Misunderstood (de Being There)

Heavy Metal Drummer (de Yankee Hotel Foxtrot)

Ya sé, muchos pensarán ¿Dónde están canciones que definen a Wilco, “Ashes Of American Flags” o “I Am Trying To Break Your Heart”? ¿Y favoritos de la audiencia como “A Shot In The Arm? ¿Y ese genial outtake de Sky Blue Sky que es “The Thanks I Get”? Bueno, fue difícil dejar afuera a ésas y tantas otras, pero así quedó mi compilado. ¿Igual no está nada mal, no?

Espero que hayan disfrutado de este especial que hoy llega a su fin.

Especial Wilco IV: influencias

2011-08-15T15:11:00.001-03:00

Explicar qué música hace Wilco no me resulta fácil. Suele decirse que hacen alt country o cosas así, pero el término me parece muy acotado. Por eso, me resultó más fácil describir sus influencias así:
Rock and roll: basta escuchar canciones como “Monday” para darse cuenta de que Wilco puede rockear como los Stones de Exile on Main St, los Faces y los Black Crowes.
Folk rock americano: siempre se cita a The Band como una influencia de Wilco, lo cual es inevitable tras escuchar “Either Way”, por ejemplo. Y en ese mismo disco, Sky Blue Sky, tenemos también a “There’s a Light”, que suena tan Neil Young/Dylan… y tantas otras…
Rock ingles clásico: la belleza de “Hummingbird” me remite a las mejores páginas de los Kinks o los Beatles.
Folk intimista de cantautores: no me digan que al escuchar canciones como “Please Be Patient With Me” no se acuerdan un poquito de gente como Nick Drake…
Britpop: especialmente en su disco Summerteeth, en canciones como “I’m Always In Love”, Wilco parece dejarse influir por esta corriente de los 90.
Rock and roll americano: es inevitable pensar que canciones simples y poderosas como “I Must Be High” no hacen más que retomar la tradición de Creedence y el mejor rock americano que suena en las radios de “oldies”.
Rock experimental: el disco que acompaña The Wilco Book es un experimento sonoro completamente alejado de cualquier clasicismo.
Y eso no es todo. Podría hablar de Sonic Youth, Woody Guthrie, Nick Lowe, y tantos otros. Sin dudas, Jeff Tweedy y los suyos son de esos músicos melómanos que no viven encerrados en sólo lo que ellos hacen sino que son apasionados por la música en general.

Especial Wilco III: Rompiendo con todo

2011-08-10T16:01:00.001-03:00

A lo largo de su carrera, Wilco se ha caracterizado por romper con el “status quo”. Jeff Tweedy es un genio loco que no duda en pegar el volantazo en lo artístico y en lo humano. Parece ser un tipo complicado: sólo el bajista John Stirratt continúa en la banda desde su formación hasta la actualidad.
Esta pulsión por los cambios tuvo su clímax hace unos diez años, cuando la banda encaró la grabación de su cuarto disco. Wilco ya tenía una buena base de seguidores y su música obtenía muy buenas críticas. Siempre al mando de Tweedy, para esta producción parecía surgir un espíritu más grupal a la hora de componer y darle forma a su música. Todos estaban muy entusiasmados porque los primeros bocetos demostraban que estaban ante algo muy bueno. Como si fuera poco, el proceso de grabación iba a ser filmado por un equipo dirigido por Sam Jones, quien pensaba editar luego una película que documente el paso a paso creativo de una banda que se dispone a hacer un disco.
Esta situación ideal empieza a romperse de a poco, ante los siguientes hechos:
- Primero, el baterista Ken Coomer es despedido luego de hacer los primeros demos. Supuestamente, el resto de la banda estaba disconforme con su forma de tocar y decidió reemplazarlo por Glenn Kotche.
- Segundo, la relación entre Tweedy y el multiinstrumentista Jay Bennett se ve afectada ante diferencias por la forma de producción. Como nunca antes, Bennett había participado de la composición de la mayoría de las principales canciones que integrarían el nuevo disco, como las esenciales “Ashes Of American Flags” y “Jesus, Etc”. ¿Sintió Tweedy envidia ante el nuevo rol de Bennett? Es posible, y esta tensión provocó la salida del segundo de la banda.
- Tercero, disconforme con la mezcla de Bennett, Tweedy convocó a Jim O’Rourke, de Sonic Youth, y su forma de trabajar deslumbró a todos. Sin embargo, la discográfica de la banda, Reprise, una subsidiaria de Warner, se niega a editar el disco por considerarlo poco atractivo comercialmente hablando.
Hubiera sido hasta lógico que, frente a estos problemas, la banda se separe. Sin embargo, sucedió todo lo contrario: Wilco siguió adelante con la nueva formación, su manager consiguió un nuevo contrato con Nonnesuch, otra subsidiaria de Warner y el disco salió por fin en 2002. Titulado Yankee Hotel Foxtrot, fue el mayor éxito de ventas de la banda y es para muchos fans y críticos su obra cumbre.
Mientras tanto, el pobre Sam Jones, luego de invertir mucha más plata y tiempo del que pensaba, logró terminar su documental en 2003. Su idea inicial de filmar el paso a paso de la creación de un disco dio paso, obligadamente, a una obra mucho más densa y emotiva, en la que no sólo la música está en juego, sino también las relaciones humanas. Filmada muy apropiadamente en un tono gris, su película I Am Trying To Break Your Heart es el registro de todos estos momentos en los que Wilco tropezaba y volvía a levantarse. Su tono oscuro, sin estridencias, la hace un rockumental distinto e interesante. Tanto esfuerzo tuvo su premio: la película fue presentada con éxito en varios festivales internacionales y se transformó en el hermano menos conocido pero igualmente talentoso de Yankee Hotel Foxtrot.

Especial Wilco II: The Wilco Towers

2011-08-05T13:14:00.003-03:00

Las tapas de los discos de Wilco suelen evocar algún tipo de metáfora o imagen más allá de la imagen misma. Los objetivos son variados: desde el absurdo de la portada de su último disco, Wilco (The Album) hasta el canto de libertad de Sky Blue Sky, pasando por la vitalidad de Kicking Television.
Yankee Hotel Foxtrot, publicado en 2002, es el disco más vendido de Wilco. Para su tapa, la banda eligió una foto de Marina City, unos edificios muy conocidos para cualquier habitante de Chicago, algo así como si un artista de Buenos Aires editara un disco con el edificio Kavanagh en su portada.
¿Por qué Wilco eligió esta fotografía? La banda quería algo que remitiera directamente a su ciudad natal, con la cual se siente muy identificada. Jeff Tweedy y el diseñador que colabora frecuentemente con Wilco, Lawrence Azerrad, encontraron lo que buscaban al ver una foto de los edificios tomada por Sam Jones, quien por entonces estaba filmando el documental I Am Trying To Break you Heart. La aparición de Marina City en la tapa de Yankee Hotel Foxtrot hizo que pasaran a tener un nuevo nombre para mucha gente: The Wilco Towers.
La sección Pop Pilgrims del excelente sitio A.V. Club cuenta toda esta historia y muchas más relacionadas con sitios y lugares presentes en canciones, películas, etc. Pasen y vean el video en: http://www.avclub.com/articles/chicago-the-wilco-towers,57336/
Y, ya que están, miren en el mismo sitio a The Low Anthem haciendo “A Shot In The Arm”, un clásico de Wilco, de su disco Summerteeth:
http://www.avclub.com/articles/the-low-anthem-covers-wilco,53046/

Especial Wilco I: The Whole Love

2011-08-02T11:55:00.001-03:00

El 27 de septiembre sale el nuevo disco de Wilco, The Whole Love, que será editado por primera vez por su propio sello, dBpm Records. Se trata de su octavo álbum de estudio y fue grabado en Chicago, su ciudad, producido por Jeff Tweedy con Patrick Sansone y Tom Schick.
El primer single, “I Might”, fue editado el 19 de julio y puede escucharse acá: http://wilcoworld.net/#!/hot-off-the-presses-7-vinyl/
Como lado B, la banda grabó un tema de Nick Lowe llamado “I Love My Label” (“Amo A Mi Sello”), un homenaje que Lowe dedicó a su grabadora, Stiff Records, allá por 1977.
Para hacer más grata la espera, empieza hoy una serie de notas especiales sobre esta gran banda, quizás la mejor del mundo en la actualidad. Empecemos por la nota insólita: las distintas formas de pre-ordenar la compra del nuevo disco. En http://thewholelove.kungfustore.com/, los fans pueden reservar su copia de The Whole Love en distintos formatos, como es habitual en el negocio de la música actual: CD, CD deluxe, vinilo, MP3, etc. Pero la cosa no se queda ahí: el merchandising ofrece hasta yo-yos (¡?). Lo mejor es The Whole Bundle (El paquete completo); por 79 dólares, uno se lleva lo siguiente:
- Remera
- The Whole Love en vinilo doble de 180 gramos producido por Pallas in Diepholz, Alemania, una fábrica de vinilos legendaria, activa desde 1949. Cada vinilo incluye una copia en CD del album con su correspondiente sobre
- The Whole Love Deluxe en CD doble, con un librito de 52 páginas
- El single “I Might” / “I Love My Label” en vinilo
- Una alfombrita con el logo de The Whole Love
- Una bolsa de algodón natural con el logo de I Love My Label
- Un adaptador giratorio con el logo de dBpm (no entendí bien qué es esto, creo que es para escuchar vinilos)
- Una calcomanía de dBpm
Aquí la foto de todo el paquete:

Corrió la voz

2011-07-26T15:53:00.002-03:00

Amy Winehouse y Paul Weller, en el programa de Jools Holland, haciendo el clásico "I Heard It Through The Grapevine", del gran Marvin Gaye. Esta canción es un verdadero standard del soul, y aquí se la tradujo acertadamente como "Corrió La Voz".

Grandes personajes: hoy, una chica llamada Jackie

2011-07-20T15:36:00.004-03:00

El tiempo a veces deja en el olvido a grandes artistas que hicieron un enorme aporte a la historia del rock. En los años 60, si uno decía “Jackie”, podía referirse a la esposa de John Fitzgerald Kennedy, pero también a una cantante y compositora que dejó su marca en muchas canciones que siguen sonando hasta el día de hoy, aunque muchos no sepan quién es su autora o intérprete. Jackie DeShannon nació en 1944 en Hazel, Kentucky, como Sharon Lee Myers. Como muchos otros músicos norteamericanos, comenzó su carrera artística haciendo country y utilizando pseudónimos como Jackie Dee o Jackie Shannon (que más tarde combinaría como DeShannon). A fines de los años 50 y principios de los 60, a través de Eddie Cochran y su novia, Sharon Sheeley, una adolescente Jackie se introdujo en el mundo de la música rock/pop. Había muchas cantantes femeninas en aquellos años, como Brenda Lee, pero Jackie se destacó no sólo por ser intérprete sino también por componer para su propia carrera o para otros artistas, igual que Carole King (que escribía con Gerry Goffin pero sólo se haría intérprete años después).
Así fueron llegando los éxitos en catarata, algunos propios otros ajenos: como intérprete, fue la primera en grabar “Needles And Pins” (1963), un clásico compuesto por Sonny Bono y Jack Nieztche (que luego harían The Ramones y muchos otros); luego, con “When You Walk In the Room” logró una interesante fusión entre folk y pop en un tema que también fue un éxito versionado por The Searchers, una banda inglesa que se disputaba mano a mano el número 1 de los rankings con los mismísimos Beatles. La faceta visible (cantante pop) y la escondida (autora) convivían en paralelo: mientras protagonizaba éxitos como “Dream Boy” y “Don’t Turn Your Back On Me”, DeShannon ponía su pluma a disposición de The Byrds (“Don’t Doubt Yourself Babe) y Marianne Faithfull (“Come and Stay with Me”), entre otros.
En aquellos años 60, Jackie compartió una gira con los Beatles en 1964 y un año después, cuando se estableció por un corto tiempo en Londres, co-compuso canciones con Jimmy Page, por entonces sólo conocido con un joven sesionista. No hay muchos que tengan anécdotas como esas para contarles a sus amigos…
Con los años, las luces de la fama dejaron de lado a Jackie, que dejó de grabar y componer con asiduidad, si bien sus viejos éxitos volvían a ser retomados por nuevos artistas, como en 1981, cuando Kim Carnes logró un hit con “Bette Davis Eyes”. Ya su faceta de cantante había quedado casi enterrada, con el álbum You Know Me (2000) como casi única excepción. La última gran noticia de su carrera fue el año pasado, cuando fue merecidamente incluida en el Salón de la Fama de los Compositores de Estados Unidos.

Jugando al Monopoly con George Harrison. Una foto 100% sixties

Alegría

2011-07-12T15:21:00.002-03:00

Sí, ya sé, falta Manza, pero igual esta grabación me da mucha alegría. Se puede bajar gratis del Facebook de Ariel Minimal: http://www.facebook.com/pages/ariel-minimal-II/225555294131275

Dos momentos con Ronnie Lane

2011-07-06T17:01:00.005-03:00

Si yo pudiera elegir ser cualquier músico de rock, nunca me inclinaría por Lennon, Jagger, Page, Rod, ni ninguna estrellita. Me gustan los tipos que están en el segundo plano, mirando como todo les pasa de cerca, pero sin tener los grandes reflectores encima, tanto arriba como abajo del escenario. Por eso, creo que elegiría ser Charlie Watts, Ringo, cualquiera de los de The Band... o Ronnie Lane.
Este notable músico inglés tocó con los mejores de su generación, que lo querían porque tocaba muy bien el bajo, era un buen compositor, un correcto cantante y, según parece, un buen tipo. Yo agrego también que era alguien capaz de hacer un rock and roll con ciertos toques elegantes que lo distinguían del montón. Ahí están como ejemplo "Debris" y "Ooh la la", dos grandes temas de los Faces que fueron compuestos por Ronnie, o su versión del clásico "You Never Can Tell", de Chuck Berry.
Tras su partida de esta banda, en 1973, Ronnie se dedicó a nuevos proyectos como Slim Chance -nombre de su banda y disco de 1974- hasta que murió en 1997, tras sufrir de esclerosis múltiple durante los últimos 21 años de su vida.
Quería recordar a Ronnie con dos videos que encontré en Youtube:
1- "Song of a Baker", potentísima canción del disco Ogdens' Nut Gone Flake (1968), de los Small Faces en vivo en el programa Colour Me Pop de la BBC (nótese al gran Steve Marriott haciendo coros):

2- "How Come", un single que grabó con Slim Chance en 1974:

Whatever happened to The Thirlls - la respuesta

2011-06-29T15:29:00.001-03:00

Hace mucho tiempo ya que en este blog se hizo la pregunta: ¿Qué pasó con The Thrills? Aquella mágica banda que sacó tres discos increíbles en la última década. Pues bien, tras años de incertidumbre, recién ahora encuentro una respuesta. Paseando por Wikipedia, me encontré con el link al sitio web de Ben Carrigan (www.bencarrigan.com), el baterista, que se encuentra a punto de lanzar su disco solista, The Greatest Narrators.
En el sitio web de Carrigan se reproduce una nota de agosto de 2010 publicada en el diario Irish Times en la que su autor, Hugh McDowe, intentó contactarse con cada uno de los Thrills, y sólo Carrigan aceptó responder a sus preguntas. “Nunca nos separamos, pero después del tercer disco decidimos que queríamos buscar otros objetivos por un tiempo”, dice Carrigan en la nota. “Hicimos una gira por Australia en mayo y junio de 2008. Esa fue la última vez que estuvimos activos como grupo. No hubo diferencias artísticas ni nada por el estilo. Simplemente queríamos bajarnos y tomar cierta perspectiva”. Según cuenta McDowe, Conor Deasy, el cantante, anda por Londres trabajando como DJ y el bajista Pádraic MacMahon ahora está dedicado a la fotografía.
Carrigan deja una puerta abierta para que algún día vuelva la banda. “Estoy seguro de que en algún momento en el futuro nos encontraremos para hacer otro disco, pero no hay nada por ahora”. Desde este humilde blog cruzamos los dedos…

Lista, adiós a EL luthier

2011-06-24T11:05:00.001-03:00

A principios de mes murió Horacio Lista, una triste noticia. Los que amamos el sonido y la estética de los años 60 siempre veneramos a Horacio, un verdadero artista de la creación de instrumentos. Debe haber pocos luthiers en todo el mundo con la capacidad de emular a la perfección los diseños de guitarras y bajos clásicos de los 60s: Rickenbacker, Vox, Hofner, Danelectro… el maestro Lista podía replicar artesanalmente cualquiera de sus modelos. Entrar a su taller era soñar con los instrumentos de las grandes estrellas del rock de los 60.
Su sitio web sigue activo y en Youtube se pueden ver algunos tributos:

Feliciano en celeste y blanco

2011-06-21T12:45:00.000-03:00

Mientras mi amigo Florentino y mucha gente más se prepara para ir a ver a don José Feliciano – el 22 de junio en el Gran Rex- les dejo esta perla: su versión del bolero “Lágrimas Negras”.
Atención al llegar a los 2:13: “yo no se que está pasando, que cuando…” ¡Grande José! Estoy buscando información sobre el disco y el año en que fue grabado este tema, sospecho que fue por mediados de los años 60… cualquier dato al respecto se agradece.

Mil y una canciones: “The Boys Are Back In Town”, por Thin Lizzy

2011-06-13T13:33:00.001-03:00

Todos los que vimos o vemos That 70’s Show lo sabemos. En aquella década algo traumática para el rock, luego de la explosión creativa de los años 60, los chicos norteamericanos amaban a Led Zeppelin y a todas las bandas de hard rock.
El punk y el reggae eran cosa de minorías; el soul y el funk seguían siendo más para la comunidad afroamericana; la new wave y el rap recién explotarían en los 80. Así que sólo la música disco y Bruce Springsteen eran tan populares como el hard rock de Grand Funk Railroad, Bad Company, Cheap Trick, Ted Nugent y Thin Lizzy, entre otros.
De esta última banda quería hablar hoy. “The Boys Are Back In Town” fue uno de los singles más exitosos de los irlandeses Thin Lizzy y parece fácil entender por qué. Es hard rock, sí, pero con un toque pop, es pegadizo, pura melodía con un estribillo con gancho, que se repite varias veces, algo de lo que suele carecer el el hard rock derivado de Zeppelin y Deep Purple. Tiene el golpe de nocaut típico de un éxito
Todos los músicos logran lucirse. Thin Lizzy patentó en temas como éste la doble guitarra líder melliza: Scott Gorham y Brian Robertson se sacan chispas en un duelo memorable. Brian Downey lleva un ritmo de batería vibrante, intenso de principio a fin. Phil Lynott era un cantante con alma pero que no buscaba copiar a Robert Plant ni a Ozzy: su estilo iba por otro lado. Compositor, bajista y líder de Thin Lizzy, era negro (hijo de padre brasileño y madre irlandesa), toda una rareza en el rock pesado. Quizás esa mezcla de razas sea la causa de ese toque distinto a la hora de hacer hard rock, tan bien logrado en “The Boys Are Back In Town”.
La letra habla de cosas con las que podía identificarse cualquier chico que vivía en una ciudad del interior de los Estados Unidos. Cada estrofa es una viñeta de la vida en el pueblo con sus distintos personajes: la barra de chicos traviesos, la chica linda que gasta la pista de baile, el bar donde todos se encuentra y su “jukebox” musical, los inviernos fríos esperando el verano… todo muy That 70’s Show.
Cuando estaba inspirado, Lynott sabía escapar los clichés del rock duro y su estilo se emparentaba con el de Springsteen, otro de los geniales compositores de aquellos años que amaba las pequeñas historias suburbanas. Así que ajústense los cinturones, súbanse al Oldsmobile Vista Cruiser de Eric Foreman, prendan la radio y suban el volumen, porque los pibes volvieron a casa y hay que salir a festejar:

Ficha técnica:
· Nombre: “The Boys Are Back In Town”
· Intérpretes: Phil Lynott (voz y bajo), Brian Downey (batería), Scott Gorham y Brian Robertson (guitarras)
· Compuesta por Phil Lynott
· Producida por John Alcock
· Grabada en 1976, publicada como un single (llegó al puesto número 12 en Estados Unidos y al 8 en Gran Bretaña) e incluida en el disco Jailbreak (1976)
Letra: http://www.sing365.com/music/lyric.nsf/The-Boys-Are-Back-In-Town-lyrics-Thin-Lizzy/A56B1C6E533AD0704825698B00241822

Un hombre mono suelto en Londres

2011-06-06T15:11:00.003-03:00

Hace poco vi por primera vez el video clip que los Kinks grabaron para promocionar "Apeman", uno de sus singles de 1970, y me pareció buenísimo. Con un presupuesto que evidentemente era de dos mangos, Ray y la banda salieron a pasear por Londres junto a un amigo. Ellos, con unos sacos que solamente podía usar un rockero de aquella época; su amigo, disfrazado de... mono. Son tres minutos de puro humor inglés, aunque mi parte preferida llega en al minuto y 40 segundos, cada vez que la miro me hace reir.
Según dice alguien en los comentarios del clip en Youtube, fue filmado en Hampstead Heath, un enorme parque londinense de 320 hectáreas, cerca de Camden Town.
Link: http://www.youtube.com/watch?v=FlM52fUrNz4

Esa típica pregunta

2011-05-24T15:26:00.001-03:00

“¿Qué disco te llevarías a un isla desierta?” es una pregunta que se ha utilizado en incontables reportajes. Siempre causa curiosidad saber qué música se quedaría uno si tuviera que descartar a todas las demás. Por eso, en 1942, Roy Plomley decidió transformar esta pregunta en un programa de radio. En cada emisión, un invitado debía elegir sus ocho canciones preferidas.
Casi 70 años después, “Desert Island Discs” sigue al aire por la BBC, actualmente conducido por Kirsty Young. Se trata de un programa clásico de la radiofonía británica, por el cual han pasado personalidades de lo más variadas, de la ex primer ministra Margaret Thatcher a la cantante de Blondie, Debbie Harry, pasando por otros músicos (como Sir Paul McCartney, Alice Cooper o Paul Weller), cineastas (como Alan Parker o John Huston), deportistas (como Bobby Robson o Jackie Charlton), actores, premios Nobel y muchos otros más.
El sitio web del programa (ver link abajo) tiene un impresionante archivo con el nombre de todos los invitados que pasaron por el programa y sus elecciones, y hasta se pueden bajar los de los últimos años para escuchar en MP3. Ya me estoy bajando el de Paul Weller…
Link: http://www.bbc.co.uk/radio4/features/desert-island-discs

Ocho razones para celebrar a Wings

2011-05-20T11:59:00.000-03:00

Los que siguen este blog sabrán que siempre tratamos de rescatar la obra de Paul McCartney que, aunque parezca mentira, ha sido criticada miles de veces. Por eso es grato encontrar en este link
(http://www.mojo4music.com/blog/2011/05/8_reasons_to_celebrate_wings.html)
una linda nota con “Ocho razones para celebrar a Wings”.
La verdad que coincido con la mayoría de las cosas señaladas en este artículo, pero especialmente quería destacar los puntos 1 y 3. El primero rescata a Wild Life, el debut de Wings, y el tercero festeja “Junior’s Farm”, un notable single bien rockero publicado por Wings y una de mis canciones preferidas de McCartney en los 70s.

Mil y una canciones: “Fortunate Son”, de Creedence Clearwater Revival

2011-05-10T16:28:00.001-03:00

Sí, amigos, sí… esta semana llega John Fogerty a Buenos Aires. Increíble pero real, un sueño hecho realidad y todas las otras frases hechas que se les ocurran. Así que es un buen momento de dedicarle un espacio en este blog a su música. Y elegí hacer un comentario sobre mi canción preferida de Creedence Clearwater Revival (CCR): “Fortunate Son”.
Se trata de uno de los auténticos hits de la banda, una canción que escuché antes de conocer a la banda, antes de escuchar rock and roll. Las canciones de CCR están siempre dando vueltas por ahí en la radio, en películas, en bares, en todos lados. “Una banda simple, de simples, bailable, de radio AM”, describe con precisión el periodista Pablo Schanton, en un artículo publicado ayer en Clarín.
“Fortunate Son”, como buen hit de la fábrica Fogerty, dura poco más de dos minutos, al igual que “Down On The Corner”. Ambos temas se publicaron juntos como un single, aunque parezca increíble. Sólo los Beatles y CCR se podían dar el lujo de meter en un mismo single dos temas con pasta de éxito.
La canción te atrapa desde el comienzo, no te deja pensar un segundo: la batería lleva el ritmo, la guitarra hace una breve intro y enseguida arranca Fogerty a rugir. El ritmo es irresistible, el nervio rockero está al mango: es una de esas canciones que, con sólo escucharlas una vez, una sabe que se las va a acordar toda su vida.
El gran detalle que se nos escapa a los hispanoparlantes es la letra de esta canción. El “hijo afortunado” del título no es otro que el hijo del poderoso (senador, millonario, militar, ejemplifica Fogerty en distintos estribillos) que se salva de ir a Vietnam gracias a la influencia paterna. Una parte de la letra dice:

“Some folks inherit star spangled eyes, ooh they don’t send you to war,
Lord. And when you ask them, ‘How much should we give?’ Ooh, they only answer
more! More! More! [“Algunos tipos heredan ojos de lentejuelas de estrellas, ooh
ellos no te envían a la guerra, Señor. Y cuando les preguntás ‘¿Cuánto debemos
entregar?’ Ooh, ellos sólo responden ¡más! ¡Más! ¡Más!”]

Mientras su país se sumergía cada vez más en la guerra de Vietnam, Fogerty sentía que los débiles ponían la cara por los poderosos. “Cuando compuse ‘Fortunate Son’ yo mismo podía ser reclutado y mis compañeros de generación eran enviados a diario Vietnam. Me enojaba mucho esa situación: la gente con poder e influencias sacaba ventajas. Y eso no está bien”, le contó Fogerty a Alfredo Rosso en una genial entrevista (ver abajo).
Detrás de esa saludable simpleza de la música de CCR, ejemplos como “Fortunate Son” demuestran la genialidad de John Fogerty, un notable compositor y productor que no dejaba nada al azar.

Ficha técnica:
· Nombre: “Fotunate Son”
· Intérpretes: John Fogerty (voz y guitarra), Cosmo Clifford (batería), Stu Cook (bajo), Tom Fogerty (guitarra)
· Compuesta y producida por John Fogerty
· Grabada en 1969, publicada como un single en noviembre de ese año (llegó al puesto número 14 en Estados Unidos) e incluida en Willy and the Poor Boys (1969).

Letra: http://www.lyricsfreak.com/c/creedence+clearwater+revival/fortunate+son_20034362.html
Una excelente entrevista que Alfredo Rosso le hizo a John Fogerty publicada en Clarín ayer puede leerse acá: http://www.clarin.com/espectaculos/musica/titulo_0_477552398.html

Zapping

2011-05-06T16:23:00.000-03:00

Zapping! Miro al planeta y como chizitos, dice una vieja canción que los Caballeros de la Quema grabaron en su segundo disco, Sangrando (1994). De mis últimos viajes por la pantalla chica, quería dejarles algunas cosas que encontré:
1- la nueva publicidad de Coca-Cola rescata y desconocida gema de Oasis, “Whatever”, un single de 1994. Por aquellos años, todo lo que tocaba el gran Noel Gallagher se transformaba en oro. Regrabada por un coro infantil, y fiel al estilo de la marca, creo que cumple con el objetivo de apelar a la emoción del espectador:

2- La nueva publicidad de Basement, una marca de ropa, es protagonizada por doña Kate Moss y rescata un viejo hit de los 1959, “Sweet Nothing’s”, de Brenda Lee. Los 60s siempre vuelven:

3- Y, por último, me encontré con esta potente versión a cargo de Andrea Alvarez y su grupo de “Algo Ha Cambiado”, tema 1 del disco 1 de Pappo’s Blues. Mariano Martínez aparece como guitarrista invitado y fue grabada en vivo en los legendarios estudios Ion. Muy buena:

Sonidos de los 60s en la TV

2011-04-28T11:02:00.002-03:00

El interesante canal Encuentro (6 en Cablevisión) agregó este mes a su grilla Sounds of the sixties, un programa de la BBC con material de archivo de cosas de aquella década. Cada edición es un collage con pedacitos de programas históricos como Top of the Pops, Juke Box Jury, con sus presentadores y separadores y, por supuesto, las actuaciones de artistas de la época, como los Stones, los Shadows, Gerry and the Pacemakers y a otras cosas más pop.
El programa permite descubrir que los video clips son mucho más viejos que lo que muchos piensan. En la edición de esta semana, Roy Orbison canta su hit “Pretty Woman” mientras persigue a una chica por calles y jardines de Londres. En otra parte, un cronista lo entrevistó a Dave Clark, toda una estrella en la época con sus Dave Clark Five, y le preguntó si era mod. Notable clip de época.
Sounds of the Sixties se emite los martes a las 23.30 (aunque les recomiendo sintonizar Encuentro a las 23, así también ven el nuevo programa de Alejandro Dolina y Juan José Campanella, que también está muy bueno). Se repite los jueves a las 2.30 y 7.30 y los sábados a las 0.30 y 20.30.

Cinco nombres de canciones de Pappo

2011-04-22T16:20:00.001-03:00

Estoy leyendo el libro de Pappo sobre el que escribi hace unas semanas, lo cual me hizo reenganchar con la música del Carpo. Ya una vez escribí un Elogio al Pappo Letrista, reivindicando su particular genio para escribir, una faceta siempre subestimada por la mayoría de la gente. Ahora quiero escribir sobre algo relacionado.

Uno de los aspectos personalísimos de Pappo era la forma en que titulaba sus canciones, usando frases de lo más extrañas, graciosas e insólita. Muchas veces usaba nombres que no tenían nada que ver con las letras, como cuando se encargó de titular todas las canciones del primer disco solista de David Lebón, en 1974. Podría elegir decenas de nombres de canciones para ejemplificar, pero si tengo que quedarme con cinco elijo:

1) Hubo distancias en un curioso baile matinal (incluida en Pappo’s Blues Vol. 5 – Triángulo, 1974)

2) Mírese adentro (incluida en Pappo’s Blues Vol. 5 – Triángulo, 1974)

3) Nervioso visitante (Parte II) (incluida en Pappo’s Blues Vol. 6, 1975)

4) Tema solísimo (incluida en el único disco de Aeroblus, del mismo nombre, 1977)

5) Boff, no puedo soportarlo más (incluida en el primer disco de Riff, Ruedas de Metal, 1981)

Instrucciones para escribir un hit

2011-04-15T13:42:00.001-03:00

1) Escriba sobre algo universal, sobre algo con lo cual la gente pueda identificarse, especialmente los jóvenes. Por ejemplo, el amor. 2) Confíe en la clásica estructura repetida estrofa-estribillo, no busque esquemas extraños para su tema. 3) Haga que el ritmo del bombo de la batería sea en negras, para que la gente pueda bailar o al menos mover la patita al compás de su canción. 4) Piense en una onomatopeya u otro sonido original, fácil y coreable. 5) Busque un intérprete que cante su tema con pasión y carisma, que logre llegar al corazón del público. Si cumple con todos los siguientes pasos, y usted es un compositor más o menos talentoso, quizás llegue a escribir canciones como ésta:

Se viene el BAFICI

2011-04-07T10:12:00.002-03:00

Se acerca una nueva edición del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires, que siempre suele ofrecer algunos interesantes títulos relacionados con la música. Algunos que pintan interesantes este año son:

Everybody says long live Bobby Holly: esta co-producción uruguayo-norteamericana (¡?) cuenta la historia de Bobby Holly, supuesto pionero del rock oriental. Según la sinopsis, “En años en que el rock imponía una forma de bailar, Holly encarnó la fiesta y el descontrol, pero también la melancolía y la tragedia de una cultura musical nueva”. Parece ser un rockumentary/mockumentary al estilo de Spinal Tap.

Herbert de perto: biografía en imágenes de Herbert Vianna, el líder de Os Paralamas do Sucesso con material poco o nunca visto (grabaciones caseras infantiles, los primeros recitales, la ardua rehabilitación, el show para sus compañeros de hospital...) del gran Herbert, prueba viviente de que el rock puede salvar vidas.

Seguir siendo: un repaso por los 20 años de historia de los mexicanos Café Tacvba, una de las mejores bandas del mundo, con mucho material de archivo. “Los directores parecen estar en los lugares y momentos exactos, esos en los que todo fanático quiso estar alguna vez”, dice la sinopsis.

Who is Harry Nilsson?: la historia de este amigote de los Beatles que se hizo famoso por cantar “Everybody’s Talkin”, el tema de la película Perdidos en la noche Con la participación de Brian Wilson, Yoko Ono y Terry Gilliam.

Upside down: the Creation Records Story: un documental sobre el sello fundado por Alan McGee, que desde su nombre homenajea a una vieja y gloriosa banda de los años 60, y que tuvo o tiene entre sus artistas a Oasis, My Bloody Valentine, Primal Scream y la lista sigue…

Salas y horarios en http://www.bafici.gob.ar/

Cinco canciones con nombre de músico

2011-03-30T17:00:00.003-03:00

A veces los músicos deciden bautizar a sus canciones con nombres de otros colegas para homenajearlos, parodiarlos o porque sí. Veamos algunos ejemplos:

1- “Brian Eno” (grabada por MGMT en su disco Congratulations, de 2010): en su segundo disco el talentoso dúo neoyorquino compuso una extraña historia sobre el famoso músico y productor. “Siempre estamos un paso atrás de él”, cantan y parecen homenajear y burlarse un poco del siempre vanguardista Eno.

2- “Alex Chilton” (grabada por The Replacements en su disco Pleased to Meet Me, de 1987): un humilde tributo de la banda que Paul Westerberg tenía en los 80s a uno de sus ídolos, el líder de Big Star y The Box Tops. Casualmente -o no tanto- Chilton toca como invitado en la canción "Can't Hardly Wait", de ese mismo disco.

3- “Brian Jones” o “El rock and roll de Brian Jones” (de Blues Motel, inédita): este rock que homenajea al fundador de los Rolling Stones es uno de los primeros temas compuestos por la banda de Tigre. Extrañamente, fue interpretado muchas veces en vivo pero nunca tuvo su versión de estudio.

4- “Bo Diddley” (grabada por Bo Diddley como un single en 1955, incluida en varios compilados): el gran Ellas McDaniel solía citarse a sí mismo en los títulos de sus propias canciones y álbumes para relatar sus aventuras como un juglar rockero. “Diddley Daddy” o “Bo Diddley is a gunslinger” son otros ejemplos.

5- “(Hats off to) Roy Harper” (grabada por Led Zeppelin en su disco Led Zeppelin III, de 1970): un blues descontrolado y psicodélico, que parece grabado desde adentro de un huracán, en el que se luce el slide de Jimmy Page. Antes de saber a quién estaba dedicado, yo pensaba que Harper había sido algún oscuro blusero de los años 20… nada que ver: Zep le rinde tributo a Roy Harper, un músico de folk inglés contemporáneo admirado por Page.

Bonus track: “Seymour Stein” (grabada por Belle and Sebastian en su disco The Boy with the Arab Strap, de 1998): una suave y lánguida canción protagonizada por este empresario de la industria discográfica. Si entiendo bien, la letra relata el irónico recuerdo de un encuentro entre Seymour y los escoceses. “Seymour Stein, lamento no haberte encontrado. Que tengas un lindo vuelo a casa. Es un lindo día para volar”.

Yesterday and Today Records

2011-03-23T17:23:00.005-03:00

Hace poco estuve en una de las mejores disquerías que conocí en mi vida. Se llama Yesterday and Today Records y está especializada en vinilos de los años 60 y 70s.

Es tan completa que tiene no sólo varios discos de los artistas más conocidos sino además una enorme variedad de joyas, como discos de Peter And Gordon, Tommy James and The Shondells, The Hollies, Buffalo Springfield (la primera banda de Stephen Stills y Neil Young), Badfinger, hasta una reedición en vinilo de Miguel Cantilo y Grupo Sur (ver abajo)... uff, la lista es casi infinita, realmente imposible recordar todo.

El libro del año

2011-03-22T11:06:00.004-03:00

Grata noticia: Sergio Marchi, una de las dos o tres mejores plumas del periodismo de música en este país, escribió una biografía de Pappo, que está a punto de editarse.

Entre otras obras, Marchi escribió hace ya varios años No digas nada, excelente biografía de Charly García y, hace un año y pico, The Beatlend, un muy interesante libro sobre los Beatles tras su separación. Así que, teniendo en cuenta estos antecedentes por un lado, y el notable personaje que fue Pappo (lleno de anécdotas), sólo queda esperar por un libro de lo más entretenido.

Más información en el blog de Sergio: http://www.futuroi.blogspot.com/. Acá abajo, la tapa del libro (buena foto, ya me dan ganas de leer el libro).

El mejor disco de la historia del punk argentino

2011-03-14T17:01:00.001-03:00

El mejor disco de la historia del punk argentino no fue grabado por los Violadores, ni por Attaque 77 ni tampoco por alguna oscura banda de culto. El premio le corresponde al álbum debut de los Ratones Paranoicos, de 1986.
“Movamos”, “Moda”, “Primavera Nacional”, “Chica Cadáver”… una verdadera sucesión de grandes temas componen aquel disco. Los Ratones suenan inexpertos y limitados instrumentalmente, pero frescos y algo arrogantes, con ganas de llevarse al mundo por delante y cambiarle la cara al rock argentino, que después de años de saturación sinfónica/progresiva ya se había volcado al pop y la new wave. Fueron incomprendidos por la escena local y sólo pudieron sacar su disco debut gracias a le fe que les tenía Gustavo Gauvry, quien fue productor y editor a la vez, para lo cual creó el sello Del Cielito Records.
Por aquel entonces, los Ratones eran punk y hasta new wave, pero a su manera. Dos guitarras, bajo y batería: no se necesita nada más para tocar rock and roll. Juanse siempre dijo amar a los Sex Pistols, y aquel primer disco es la mejor demostración. Sus letras aún hoy suenan raras; ¿qué quieren decir frases como “Estrella sobre la línea vas a perder” o “la chica ya es un cadáver, es imposible sacarla a bailar”? Juanse construye su propio mundo jugando a las escondidas. La noche y sus cosas, las chicas mojadas, los boliches, la ansiedad, el deseo, la incomprensión… todo se plasma en sus letras, luego de pasar por el filtro de su cabeza.
El segundo disco de la banda, Los Chicos Quieren Rock, es mejor y, si bien mantiene la influencia punk, tiene también otros ingredientes y se acerca más al sonido stone que luego profundizarían en el tercero, Furtivos… y en el resto de su discografía hasta hoy. Pero aquel glorioso debut todavía está en la cima y desde este humilde espacio hacemos esta reivindicación. Mal que les pese a los punkies porteños, que todavía no se dieron cuenta de que los Ramones siempre amaron a los Rolling Stones.

¿En qué andás, Jack?

2011-03-03T17:00:00.000-03:00

Hace poco nos enteramos de que los White Stripes se había separado. Claro que el hiperactivo Jack sigue con la agenda cargada. Apenas acaba de empezar el año y ya sacó a relucir su nuevo proyecto: un disco con Wanda Jackson. ¿Quién? Acá les dejo un video por si no la conocen:

Wanda Jackson es una leyenda del rock, una auténtica pionera que grabó y tocó en los comienzos del género. Tras ser introducida al Rock and Roll Hall of Fame en 2009, recibió el llamado de un tal Jack White, quien la sumó a su sello Third Man Records, le armó una banda y le produjo un nuevo disco, The Party Ain’t Over, compuesto por una serie de covers, como “You Know I’m No Good” (de Amy Winehouse) y “Thunder In The Mountain” (de Bob Dylan). Escuchen cómo la inocente y graciosa voz de Wanda (que anda hoy por los 74 años) canta esta incendiaria versión del clásico “Shakin’ All Over”, de Johnny Kidd And His Pirates:

Cuidá los palos Barbosa

2011-02-24T17:37:00.001-03:00

Hay personas cuyas vidas quedan marcadas por un solo momento, y la Moacyr Barbosa es una de ellas. Seguramente, cuando se levantó en la mañana del 16 de julio de 1950 ya sabía que iba a haber un antes y un después de ese día, pero pensó que eso era algo bueno. Nunca se imaginó lo que el destino le tenía preparado.
En Brasil, la fiesta estaba preparada. Los diarios del día después ya había sido escritos: ¡Brasil campeón! Organizador del mundial, principal candidato al título, invicto, equipo más goleador… la mesa estaba servida. Con sólo empatar con Uruguay (un buen equipo, pero inferior), el local era campeón. Las doscientas mil personas que colmaron el Maracaná se sentían testigos de un hecho histórico: el primer mundial ganado por Brasil.
Sin embargo, once superhéroes vestidos de celeste hicieron lo imposible. La leyenda dice que, antes del partido, los dirigentes uruguayos les dijeron que se conformaban con perder por poco. “Los de afuera son de palo”, retrucó el capitán, Obdulio Varela, y envalentonó a sus compañeros: la victoria es posible.
Cuando Brasil metió el 1 a 0, Obdulio agarró la pelota del fondo de la red y fue caminando despacito hasta la mitad de la cancha. Así, sin perder la calma, los uruguayos dieron vuelta el partido y dejaron muda a la torcida. Nadie entendía nada. El presidente de la FIFA debió improvisar, ya que sólo tenía armado un discurso para Brasil campeón. En el resto del país, hubo gente que llegó a suicidarse por la depresión. Los ídolos de la torcida se transformaron en enemigos públicos. Y el pobre Barbosa se llevó la peor parte.
Acusado de no cubrir bien la portería, y de ser el principal culpable de la derrota, aquel partido lo atormentó hasta el último día de sus vidas. Siguió jugando al fútbol (tuvo una exitosa carrera en el Vasco da Gama), pero fue víctima del rechazo generalizado de sus compatriotas. En 1993, el presidente de la Confederación Brasileña de Fútbol le impidió comentar para la TV partidos de la selección; otra vez le impidieron entrar en un entrenamiento del seleccionado.
Poco antes de morir, en 2000, hasta llegó a decir: “El máximo castigo en Brasil es 30 años de prisión, pero yo he pagado por algo, de lo que no soy culpable, durante los últimos 50 años”. Una amiga que lo acompañó hasta sus últimos días contó: “Hasta el final él solía decir: ‘no soy culpable. Éramos once'”. La anécdota está en el artículo-obituario publicado por el diario The Guardian.
El cantautor uruguayo Tabaré Cardozo, en 2008, se inspiró en la trágica historia de Barbosa y le dedicó esta canción agridulce, que creo que le sienta muy bien a la historia del brasileño más odiado por sus compatriotas. Atención a la letra (no la voy a transcribir, ¡escúchenla!):

Año nuevo, diseño nuevo

2011-02-22T15:53:00.002-03:00

Por primera vez, este blog cambia su diseño. Nada demasiado revolucionario, pero quien lleve años leyéndolo seguramente se sorprenderá.

Tu nombre sobre mi nombre: “Mony Mony”

2011-02-18T10:17:00.000-03:00

Uno de los máximos hits de Billy Idol es, sin dudas, “Mony Mony” que aún hoy sigue rotando en radios del estilo de FM Aspen. “Here she comes down sayin’ Mony mony..” [¡pan! ¡pan! ¡pan!]. Lo que la mayoría de la gente no sabe es que se la canción es un cover de una olvidada banda norteamericana de los 60’s llamada Tommy James and The Shondells. Compuesta en 1968 por el líder de la banda, Bo Gentry, Ritchie Cordell y Bobby Bloom, esta versión original fue también un gran éxito en su momento y llegó al número del ranking 1 en el Reino Unido y al 3 en Estados Unidos.
Ahora bien, ¿qué significa “Mony Mony”? Según contó alguna vez el propio Tommy James, un día estaba en su departamento de Manhattan obsesionado con el objetivo de componer una canción bien pegadiza. Ya tenía la idea principal, pero le faltaba una frase con gancho. Tras dar varias vueltas, casi se da por vencido hasta que de repente miró por la ventana y vio un cartel que decía MONY, sobre la terraza del edificio de Mutual Of New York, ubicado sobre Broadway. Y de esta manera tan particular nació este temazo que pueden escuchar a continuación:

Si van a Nueva York, no se gasten, no busquen el cartel de MONY. Parece que fue cambiado por uno que dice 1740 (el número del edificio). Una lástima.

Acerca de "Under Cover of Darkness"

2011-02-14T11:50:00.003-03:00

¿Y, escucharon el tema nuevo de los Strokes? Estuvo disponible para su descarga gratuita en el sitio web de la banda y ya está sonando en las radios.
A mí me gusta. Tiene el sonido clásico stroke, y en cuanto lo escuché me di cuenta de que extrañaba a la banda... ya pasó mucho tiempo desde su último disco, el raro First Impressions Of Earth (2006), en el que Julian Casablancas y Cía intentó buscar nuevos horizontes musicales con un resultado más que desparejo. Seguramente ellos mismos se dieron cuenta de esto y por eso decidieron tomarse un descanso como grupo y dedicarse a otros proyectos por separado, entre los que yo destaco a los dos notables discos solistas de Albert Hammond Jr.
Mi parte preferida de "Under Cover of Darkness" es el solo de guitarra que aparece al final (¿De Hammond o Nick Valensi? No estoy seguro) y parece darle un último impulso a una canción llena de energía. El título del disco es Angles y sale el 21 de marzo. Supongo que se editará en Argentina.

Badfinger: behind the music

2011-02-09T16:56:00.000-03:00

Atención fanáticos de Badfinger: vayan a http://bedazzled.blogs.com/bedazzled/2011/02/badfinger-behind-the-music-.html
donde podrán ver un documental sobre su banda preferida. Aclaración: está en inglés, sin subtítulos.
Llamada a fines de los 60s a ser la sucesora de los Beatles, esta banda fue apadrinada por los Fab Four y tuvo algunos hits, como “Come And Get It” o el genial “No Matter What”. Sin embargo, esta similitud y relación con los Beatles fue también una carga muy pesada para los integrantes de Badfinger y una de las causas de su triste final. No cuento nada más… si no conocen la historia, pueden ver el documental.

Mañana, Florentino en Le Bar

2011-02-07T15:18:00.000-03:00

La música es un mar inmenso que parece imposible de navegar, más en estos tiempos de Internet. ¿Cómo hacer para no marearse ante tanta oferta? ¿Cómo hacer para conocer música nueva para nuestro paladar?
Hay varios caminos: a veces, sobre todo cuando uno empieza a meterse en el mundo de la música, uno conoce nuevos artistas gracias a sus amigos. Hay otras maneras: por ejemplo, algunos melómanos son seguidores de la música editada por algún sello en particular. También suele suceder que uno escucha música nueva porque le suena familiar a otras cosas que ya conoce. Así, yo conocí a los Faces luego de escuchar a los Stones, o llegué a Blur a partir de Oasis (sí, para mí son mucho más parecidos de lo que ellos piensan). Con los años, uno va sumando nuevos intereses y gustos. Cosas que nunca pensó que le iban a interesar terminan revelándose como esenciales y de esta manera el abanico musical se abre cada vez.
Toda esta introducción se debe a que a un músico también le sucede lo mismo: en su camino se va encontrando con nuevas influencias, de diversos países y géneros, que enriquecen pero a la vez complican su propio arte.
Meter en una coctelera lo mejor del folk rock americano, el tropicalismo, Nick Drake, el primer rock nacional y Devendra Banhart parece algo imposible. ¿A quién se le podría ocurrir una combinación tan rara?
Es así amigos, la tarea de Florentino es de lo más difícil: conseguir una voz propia a partir de estas influencias, y tantas otras. Su primer disco, Cuando El Bosque Despierta, es un debut arriesgado: canciones en inglés y en español, voces invitadas por aquí y por allá, sutiles efectos electrónicos, algunos pianitos minimalistas a la Neil Young, y muchas, muchas guitarras acústicas.
Pregunta: ¿Logra su objetivo Florentino? Respuesta: Sí, es un artista nuevo y por lo tanto en formación, pero va por el buen camino. Los invito a pasar mañana por Le Bar (Tucumán 422) para escucharlo (¡entrada gratis!) y sacarse la duda, o a bajarse el disco gratis de www.florentino.bandcamp.com

Dibujito

2011-02-04T15:42:00.003-03:00

Pasen por lo de Kioskerman (aquí al costado está el link a su blog), que dejó un dibujito de despedida para los fans de los White Stripes. Y de paso lean y vean todas las cosas que hace (mucho más prolífico que yo, sube algo diariamente).
A propósito, él fue uno de esos "amigos músicos" con los que vi aquel show perfecto que Jack y Meg dieron en el Luna Park.

Adiós amigos

2011-02-03T16:03:00.002-03:00

En 2005, los White Stripes vinieron a Buenos Aires. Sin ser fanático, unos días antes del recital fui a sacar mi entrada, que se hizo un sábado de mayo, creo.
Fueron los 60 pesos mejor invertidos en mi vida. Cada vez que me cruzo con alguien que fue, coincidimos en el diagnóstico. Todos los que estuvimos aquella noche en el Luna Park recordamos aquel show como uno de los mejores que vimos en nuestra vida. Mis amigos músicos y yo salimos todos del Luna extasiados con la misma sensación: queríamos agarrar una guitarra y tocar por mil horas. Habíamos visto a una de las grandes bandas de nuestra época.
Al día de hoy guardaba la ilusión de que los Stripes volvieran algún día, hasta que me enteré de su separación. Sin quedar muy claro por qué, se despiden de sus fans con un comunicado en http://www.whitestripes.com/. El último párrafo es emotivo:
“The White Stripes no pertenecen más a Meg y Jack. The White Stripes pertenecen ahora a vos y podés hacer con ellos lo que quieras. La belleza del arte y la música es que puede durar para siempre si la gente quiere. Gracias por compartir esta experiencia. Nunca nos olvidaremos de tu relación con nosotros y estamos verdaderamente agradecidos”.

Cinco vinilos que me gustaría tener

2011-01-07T16:30:00.002-03:00

La música se escucha distinta en un vinilo, pero también se ve distinta. Las tapas de los discos se disfrutan como debería ser. Algunas de ellas son verdaderas obras de arte pop, como por ejemplo la de Robert Crumb para el disco Cheap Thrills de Big Brother & The Holding Co. (1968). Otras son verdaderos documentos de época, como la del primer disco de los Rolling Stones (1964) o la de The Freewheelin’ Bob Dylan, por citar a dos de mis preferidas.
He aquí una breve lista de títulos que me gustaría tener en vinilo, sólo por el placer de disfrutar de sus tapas en el tamaño original.

1- Spinetta Jade, Bajo Belgrano (1983): la portada de este disco es un dibujo original del Flaco dedicado, como el título lo indica, al barrio que lo vio nacer, crecer y que todavía lo cuenta entre sus vecinos. Incluye “Canción de Bajo Belgrano”, uno de los mejores temas firmados por el Spinetta en los 80s.

2- Moris, Ciudad de Guitarras Callejeras (1973): el arte de Moris es muy personal, hasta en las tapas de sus discos. Su inimitable pose y mirada de rocker tanguero en su segundo LP es una clara muestra.

3- Jaime Roos, Mediocampo (1983): al estilo de los viejos centrojás, Jaime se para con brazos en jarra y mira a cámara serio, con la número 5 de Fénix en la espalda (aunque él mismo aclaró mil veces que es hincha de Defensor). Un disco lleno de clásicos.

4- The Rolling Stones, Black and Blue (1976): una portada doble y una imagen icónica de los Stones en los 70s, ya con Ronnie Wood a bordo de la nave. Uno de los discos más flojos de la banda, que aun así incluye grandes temas como “Memory Motel”.

5- The Jimi Hendrix Experience, Axis: Bold As Love (1967): también doble, aunque en formato vertical. Una tapa con onda hindú, muy 60s, para este notable segundo disco de la Experience.

Jim Morrison Varela

2011-01-03T19:19:00.000-03:00

Es sabido que en Uruguay la gente elige nombres de lo más exóticos para bautizar a sus hijos, pero hace poco me enteré de uno que ya supera mi imaginación:
Estaba viendo una nota sobre un amistoso de fútbol juvenil entre Argentina y Uruguay que terminó con un reportaje del cronista a uno de los suplentes del once oriental. Las preguntas no estaban orientadas al partido… sino a la forma en que sus padres habían decidido bautizarlo. De apellido Varela, su primer nombre es Jim y su segundo nombre, Morrison. “Mi papá es fanático de la música de los Doors, por eso me pusieron así”, explicó el futbolista. A continuación, cuando el periodista le preguntó si le gustaba la banda, el joven Jim Morrison dudó un poco pero respondió que sí, aunque personalmente dudo de que tenga más de un disco de los Doors en su cuarto.
Si usted es uruguayo y tiene como apellido alguno de los que está a continuación, desde este blog queremos proponerle algunos nombres para sus hijos:
1- Bill Wyman Alvarez, un homenaje al bajista stone
2- Donovan Leitch Rivero, una reivindicación para el trovador escocés
3- David Crosby Martínez (pronúnciese David, no Déivid)
4- Joe Strummer Nelson, pura actitud punk
5- Syd Barrett Pereira, un tributo al genio loco que inventó Pink Floyd

Los mejores 2010

2010-12-30T09:54:00.003-03:00

Música:
Mejores discos de rock internacional: Band of joy (Robert Plant), Butterfly house (The Coral), The Ghost Who Walks (Karen Elson)
Mejor discos discos nacionales: Cuando el bosque despierta (Florentino), Estas cosas no son mías (Martín Rivero – es de Uruguay y de 2009, pero lo agrego igual)
Algunas canciones de rock internacional que me gustaron: “In the sun” (She And Him), “Sandhills” (The Coral), “I want the world to stop” (Belle And Sebastian), “Bring The Light” (Beady Eye), “Brian Eno” (MGMT)
Algunas canciones de rock nacional que me gustaron: “Mancuspias” (Florentino), “Tormentas” (Martín Rivero), “Cuando El Tiempo Se Detenga” (Blues Motel), “Sólo un momento” (Vicentico), "Afuera" (Gonzalo Aloras)
Mejor show internacional en BA: Paul McCartney en River. También me gustaron Belle And Sebastian en el Luna Park, Girls en Samsung Studio, Franz Ferdinand en el Luna Park
Mejores shows nacionales en BA: FlopaManzaMinimal en Ultra, Moris en la Biblioteca Nacional

Etc.:
Películas: Red Social, Carancho, Do It Again
Mejores programas de TV: Peter Capusotto y sus videos, Clase Turista
Mejores programas de radio: La Casa del rock naciente, Después te explico
Mejor radio: ESPN 107.9

Algunos comentarios:
- Este blog celebra la vuelta de The Coral con su magistral Butterfly House. The Coral siempre juega de local en Hoy Amaneció
- Asimismo, celebra la vuelta de Alfredo Rosso a la radio, y por partida doble: los sábados de 17 a 20 por Nacional Rock y los domingos de 18 a 20 por Rock and Pop.
- Y también celebra la vuelta a los escenarios del legendario Moris, con su mini show (que se repita)
- El nuevo disco de Andrés Calamaro resultó decepcionante. El Salmón sí grabó una linda versión de Libros Sapienciales de Vox Dei para la serie de TV Caín y Abel
- Sigue sin aparecer una radio que valga la pena escuchar, aunque la nueva Nacional Rock (93.7 FM) es un buen intento

Viejitos piolas

2010-12-22T11:14:00.003-03:00

Una foto de Almendra por Eduardo Dylan Martí, incluida en la caja Spinetta y las Bandas Eternas, con casi todo el show del Flaco en Vélez el año pasado.

Oasis ha muerto, que viva Beady Eye

2010-12-15T12:10:00.004-03:00

Las peleas entre los hermanos Gallagher llegaron a un punto final este año y cada uno decidió seguir por su lado. Claro que Liam no se quedó solo: se llevó a todos los músicos de la banda (Gem Archer, Andy Bell y Chris Sharrock) y formó Beady Eye, que acaba de lanzar su primer single, "Bring The Light". Se trata de un clásico rock and roll con un piano bien al frente que me remite a Jerry Lee Lewis o Little Richard. A Liam parece gustarle bastante el rock crudo de los 50s (recordar por ejemplo, "The Meaning Of Soul", del disco Don't Believe The Truth y su agitado pulso influenciado por las primeras grabaciones de Elvis para Sun Records).
Veremos cómo suena el resto de los temas, aunque supongo que no podrá escapar a las influencias del rock/pop inglés de los 60s. La sección fotos de http://www.beadyeyemusic.com/ ya los muestra estéticamente muy influidos por las ondas del swinging London.
Mientras prepara su primer disco para febrero, Beady Eye ya anunció shows varios shows en Europa y presentó su primer clip:

Rock en La Perla

2010-11-25T15:31:00.002-03:00

El bar La Perla, en la esquina de Jujuy y Rivadavia, era la última parada obligada de los náufragos que inventaron el rock nacional allá por mediados de los 60s. Cada noche, cuando La Cueva de Pueyerredón cerraba, Litto Nebbia, Javier Martínez, Pipo Lernoud, Moris y sus amigos vagaban por la ciudad hasta el amanecer, que solía encontrarlos en aquel bar de Once. Entre cafés y medialunas, los náufragos debatían sobre música, arte y la vida en general, y también cantaban y tocaban la guitarra (si los dejaban). En el baño del bar nació, por ejemplo, "La Balsa", cuando Tanguito le mostró a Litto Nebbia algunas ideas que tenía para una canción.
Más allá de eso, nunca hubo música en vivo oficialmente en el bar... hasta ahora. Mañana comienza un ciclo -dirigido por Rodolfo García- en el que se presentarán Ricardo Soulé, Javier Martínez y Alejandro Medina, entre otros. Por ahora, los shows estarán dedicados a aquellos fundadores del rock argertino, aunqu más adelante está previsto abrirle las puertas a músicos de nuevas generaciones.
Más información:
http://www.cronista.com/notas/254315-el-rock-vuelve-la-perla-del-once-el-bar-tanguito-y-miguel-abuelo

Postales del Liverpool rockero

2010-11-24T20:15:00.003-03:00

Para un fan de los Beatles, ir a Liverpool es una experiencia obligada. Para el que no lo tiene claro, espero que estas fotos terminen de convencerlo.

Sobre un callejón del centro quedaba el legendario Cavern Club, que increíblemente fue demolido en los 70s. Años después, se construyó una réplica a pocos metros. Vale la pena sentarse a tomar una cerveza y, com un poco de suerte, ver algún recital. Además, el lugar está ambientado con un montón de fotos y afiches increíbles, como este de arriba, que anuncia un show de los Who.

La letra de la canción "Penny Lane" es, simplemente la descripción nostálgica de un barrio algo alejado del centro de Liverpool, calles comunes y corrientes por las que Paul pasó una y mil veces cuando era chico. La peluquería que muestra la foto de arriba es la que aparece mencionada en la canción.

Esta es más difícil: ¿qué tiene de especial este edificio? Bueno, en esta escuela primaria estudiaron John Lennon y George Harrison. En esa época no se conocían todavía, aunque se deben haber cruzado alguna vez por los pasillos.

"Eleanor Rigby" es una de las mejores canciones de los Beatles y además guarda una anécdota increíble. La letra (http://bit.ly/fcdi2a) habla sobre una anciana solitaria que muere en una iglesia. Fue escrita por McCartney en 1966. Lo curioso es que en St. Peter's Church, donde Paul y John se conocieron en 1957 (luego de un show de Lennon con los Quarrymen), hay un pequeño cementerio con una lápida que recuerda a una tal... Eleanor Rigby. Una total casualidad, ya que Paul jura que no tiene recuerdo alguno de esa lápida (una más entre tantas otras). St. Peter's Church queda en Woolton, un barrio de las afueras de Liverpool, donde también está la casa donde se crió John y el albergue para niños que años más tarde lo inspiró componer "Strawberry Fields Forever")
La última foto es de un monumento no muy conocido: una escultura dedicada a Eleanor Rigby y a toda la gente solitaria. Está en el centro de Liverpool, a unas pocas cuadras del Cavern.

Lluvia de recitales en BA

2010-11-15T13:40:00.002-03:00

Ya vino Paul (no voy a escribir nada al respecto, ¿qué se puede agregar sobre semejante hito social para los que pudimos ir?) pero la catarata de recitales continúa inundando Buenos Aires. La pregunta para el melómano con poca plata es: ¿cuál elegir? Mi respuesta: ¡Belle and Sebastian! Con entradas casi agotadas (hay mucha expectativa, es la primera vez que vienen por acá), tocan hoy a la noche en el Luna Park y presentan su último disco, Write About Love. Escuché algo, y me pareció más que interesante. Este es el clip del primer single del disco:

Los plagios de Jimmy Page

2010-11-04T15:46:00.002-03:00

Señores, ¡Kioskerman abrió la polémica! La remera comentada más abajo, "Jimmy Page changed my life", ¿debería decir "Jimmy Page is a thief"?

http://kioskerman.blogspot.com/2010/11/los-plagios-de-jimmy-page.html

Quizás muchos ya sepamos cómo Led Zeppelin tomó prestado, consciente o inconscientemente, ciertas cosas de otros músicos, ya sean viejos bluseros ignotos o cantautores contemporáneos. El famoso libro Hammer of the gods es claro al respecto. Ahora... ¿fueron simples influencias o robos descarados, en los que por supuesto hay mucha plata en juego por derechos de autor? ¿Artistas como Bert Jansch están siendo estafados desde hace más de 40 años?

Postales de la Londres rockera

2010-10-27T13:45:00.007-03:00

La casa que pueden ver a la derecha de la foto no tiene ninguna plaqueta ni nada por el estilo, pero yo pienso que debería ser declarada patrimomio mundial. Si mis cálculos estuvieron bien hechos, ésta era la casa de la familia Asher en los 60s. Jane, la hija de Richard Asher y Margaret Eliot, fue la novia de Paul McCartney durante buena parte de la década y el propio beatle vivió allí (en el ático) durante unos años. Según Paul cuenta en su biografía, Hace Muchos Años, solía juntarse con Lennon para tocar y componer nuevas canciones en el sótano.
La casa queda en Wimpole Street y todavía está habitada. En la planta baja pude ver gente trabajando en una computadora como si nada ¡en un lugar sagrado para la historia de la música!

Caminando por Notting Hill, es inevitable no cantar "Nine Out Of Ten", aquella gran canción de Caetano Veloso incluida en Transa, un disco compuesto durante su exilio en Londres. "Walk down Portobello Road through the sound of reggae, I'm alive". El barrio debe haber cambiado mucho desde entonces, y es una visita obligada para turistas. Ubicada a metros de Portobello Road, Rough Trade es una de las disquerías más famosas de todo el mundo y además es un sello discográfico que edita a varios artistas indies. El local es chiquito, pero sus bateas son interminables. En el subsuelo pude encontrar varias joyas, como el vinilo original de Five Leaves Left (Nick Drake) a 30 libras y la autobiografía de Dave Davies (¡por qué no me la compré!)

La tradicional Harrods es un lugar enorme, con numerosos salones para comprar toda clase de cosas, pero también tiene un sector dedicado al arte. Había una pequeña exhibición de pinturas de Bob Dylan, entre otras. Además, un sector dedicado a viejas fotografías y afiches estaba repleto de perlas protagonizadas por Marylin Monroe, Marcello Mastroiani, Elvis, Nancy Sinatra y muchos músicos. Como ejemplo, les dejo esta foto de George Harrison, Brian Jones y (creo) Anita Pallenberg.

La calle de moda del swinging London era Carnaby Street. Ubicada en pleno Soho londinense, con el tiempo fue perdiendo glamour, aunque todavía quedan resabios de su época de apogeo. Hace poco, a Liam Gallagher se le ocurrió lanzar su propia marca de indumentaria, Pretty Green, y decidió poner un local en la esquina de la mítica calle Carnaby. Ropa para los jóvenes mods del siglo XXI.

Remera

2010-10-22T14:05:00.001-03:00

En el fotorreportaje sobre el show de Robert Plant, que se puede leer más abajo, olvidé agregar un comentario sobre la remera que portaba uno de los fans presentes en la sala. Era un hombre de más de 50 años (o sea que seguro vio varios shows de Zeppelin en su vida), alto, peso mediano y llevaba puesta una remera negra con la siguiente frase en letra imprenta mayúscula blanca:

JIMMY PAGE CHANGED MY LIFE

La ví y me morí. Una de las mejores remeras que vi en mi vida. Una frase corta para una verdad eterna. Lamento no haberle sacado una foto.

Fotorreportaje: Open House Festival, Belfast (Irlanda), septiembre de 2010

2010-10-08T16:54:00.002-03:00

Belfast parecía ser la ciudad adecuada para los fanáticos de la música durante septiembre. La ciudad fue sede de una gran cantidad de conciertos, varios de los cuales fueron parte del Open House Festival (http://www.openhousefestival.com/). Este evento se desarrolló del 6 al 12 de septiembre en distintas sedes.Wilco, Danger Mouse, Iron & Wine, Hayseed Dixie y Mumford and Sons fueron algunos de los músicos que pasaron por el festival.
Los shows más importantes se realizaron en Custom House Square, una plaza del centro de la ciudad que fue cubierta por una enorme carpa decorada con luces. Dentro de ella, uno parecía estar bajo una noche estrellada.

El 8 de septiembre se presentó Iron & Wine, teloneado por Nathaniel Rateliff y The Low Anthem. Fue una noche de música tranquila y los organizadores decidieron poner asientos para disfrutar de la música con más comodidad. Rateliff (arriba), un cantautor con una voz muy potente, abrió la noche.

Tras el excelente show de The Low Anthem, llegó el turno de Iron & Wine, o Sam Beam (foto), que es lo mismo. El barbudo ofreció sus canciones a un público que escuchó atentamente, embelesado con el virtuosismo de su guitarra y su delicada voz. Personalmente, disfruté mucho más de The Low Anthem y sus diferentes climas e instrumentaciones. Lo de Iron & Wine fue lindo pero un poco monótono.

El 10 de septiembre se presentó Wilco, uno de los platos fuertes del festival. El primer telonero de la noche fue Field Music, una muy prolija banda de rock/pop inglés, algo fría quizás. Luego llegó el turno de The Felice Brothers y su desprolijo y demasiado efusivo rock americano. No me gustó, pero la mayoría del público lo disfrutó a rabiar.

Por fin, el plato fuerte de la noche. A la izquierda, Jeff Tweedy; a la derecha, John Stirratt. Era el primer show de Wilco en Belfast y la banda no defraudó. Brindó un show excepcional, acorde con sus pergaminos (¿cuántas bandas suenan hoy mejor que Wilco en vivo?). A lo largo de más de dos horas de show, la banda alternó temas de todas sus épocas. Abrieron con “Ashes Of American Flags”, de Yankee Hotel Foxtrot. Varios temas de este disco fueron incluidos en la lista, como “I Am Trying To Break Your Heart” y la muy festejada “Heavy Metal Drummer”. También hubo varias de su úlitmo disco, Wilco (The Album), entre las que se destacaron “Bull Black Nova” y “You Never Know”. Otros grandes momentos de la noche: “A Shot In The Arm”, “Passenger Seat” y “Impossible Germany”, una perla del disco Sky Blue Sky con una parte instrumental en la que se lucen Jeff Tweedy y Nels Cline en guitarras.

Primer plano de Nels Cline, la mejor primera guitarra de una banda de rock actual. Sus solos y sus arreglos rozan la perfección: sabe qué necesita cada canción y lo toca de manera sobresaliente. No es cuestión de tocar rápido ni pesado ni con efectos raros: es simplemente una cuestión de criterio y buen gusto. A su derecha tenía un arsenal de guitarras y a sus pies, una pedalera de efectos impresionante.

Los dejo con un video de aquella noche. Podría elegir cualquier tema, pero esta grabación de "Handshake Drugs" tiene un sonido decente:

Vuelve la leyenda

2010-10-05T13:39:00.001-03:00

No, McCartney todavía no... este sábado a las 21.30, Moris en vivo en la Biblioteca Nacional. Un recital imperdible, no recuerdo cuándo fue la última vez que tocó en Buenos Aires, pero me la perdí seguro. Ahora voy por la revancha.
Ah! Creo que es gratis.

Fotorreportaje: Moseley Folk Festival, Moseley (Birmingham), 3, 4 y 5 de septiembre

2010-09-30T16:46:00.003-03:00

Ubicada a unas dos horas de Londres, Birmingham es una de las principales ciudades de Inglaterra. A unos 15 minutos del centro se encuentra Moseley, un tranquilo suburbio que todavía parece conservar la vida de pueblo. Allí se desarrolló la quinta edición del Moseley Folk Festival (http://www.moseleyfolk.co.uk/).

El evento se realizó al aire libre, en el parque local y junto a un pequeño lago, los días viernes, sábado y domingo. Una larga lista de artistas se presentó en los escenarios, el principal (Main Stage, con el nombre del festival) y el secundario (Lunar Stage). Apenas entrada la tarde del sábado, la gente se acercó con sus amigos o su familia a disfrutar de los shows, que se sucedían casi inmediatamente: terminaba uno en un escenario y arrancaba el siguiente en el otro. Parte del público se sentó en el pasto, los más previsores llevaron sillitas plegables, y todos se llevaron comida y bebida para disfrutar de una tarde de picnic y buena música. Todo muy casero, nada de grandes escenarios ni juegos de luces estridentes. Un verdadero festival de barrio.

The High Llamas fue uno de los puntos altos de la jornada y una buena manera de disfrutar el atardecer. Junto con The Low Anthem, fueron de lo mejor del festival. Nótese abajo a la derecha la presencia del cronista.

Uno de los músicos de The High Llamas estaba exclusivamente dedicado a tocar este xilofón gigante. Toda una rareza.

A pesar de su juventud, Dan Walsh es considerado uno de los mejores banjoistas ingleses, y en Moseley Folk demostró por qué. Walsh le sacó chispas a su instrumento en un incendiario show compartido con el armoniquista Will Pound.

Por fin, la noche se hizo presente y con ella el esperado cierre a cargo de Donovan, figura legendaria de la historia del rock como muy pocas. En la primera parte del show, el trovador escocés tocó acompañado sólo por su guitarra. Mechó clásicos (“Colours”, “Catch The Wind”), con temas menos conocidos y alguna que otra novedad.

Tras el segmento solo, la banda subió a escena y comenzó la catarata de éxitos, muy festejados y coreados por la gente: “Sunshine Superman”, “Hurdy Gurdy Man”, “Jennifer Juniper”, “Lalena”, “Barabajagal”, “Mellow Yellow” y muchas otras. Personalmente, las dos que más festejé fueron “Wear You Love Like Heaven” y “There Is A Mountain”, dos de mis preferidas. La gente festejaba el comienzo de cada canción cuando descubría de cuál se trataba y cantaba los estribillos. Para el bis, Donovan se guardó “Atlantis”, quizás uno de sus coros más épicos. Y luego se fue. Para él habrá sido un show más, para algunos que estuvimos presentes quizás la única oportunidad de ver a un protagonista de la historia del rock.

Fotorreportaje: Robert Plant en el HMV Forum, Londres, 2 de septiembre

2010-09-28T12:37:00.006-03:00

El HMV Forum es un viejo cine-teatro de barrio que fue reacondicionado para conciertos, igual que nuestros Teatros de Colegiales y Flores. Queda en el barrio de Kentish Town, cerca de Camden.

Desde temprano, la fila de fanáticos daba la vuelta a la esquina. Desde afuera se podía escuchar la prueba de sonido y la ansiedad aumentaba. Además, las entradas estaban agotadas. Era el único show del año de Plant en Londres, adelantando temas de su nuevo disco, Band of Joy. El nuevo disco incluye una interesante lista de covers en plan country-rock: "Harms Swift Way”, de Townes Van Zandt; el spiritual "Satan, Your Kingdom Must Come Down"; y "Angel Dance", de Los Lobos, entre otros.

Las puertas abrieron un poco más tarde de lo previsto. Los primeros en entrar no dudaron en acomodarse bien cerca del escenario, por más que faltarían casi dos horas para la salida de Plant y su banda, luego del telonero de rigor. Como se podrá advertir, la mayor parte del público estaba integrada por gente de 45 años para arriba, muchas parejas de 50 y pico, gente que seguro tuvo el privilegio de ver a Led Zeppelin más de una vez en su juventud rockera. En el fondo del escenario se puede advertir una gigantografía con la tapa del nuevo disco.

Por fin, el momento esperado, la Band Of Joy a pleno. El show alternó nuevos temas con unos pocos de sus discos solistas, y varios del que grabó a duo con Alison Krauss, como “Please Read The Letter”. Por supuesto, no podían faltar viejos clásicos de Led Zeppelin, y Plant nos deleitó con “Rock And Roll”, “Misty Mountain Hop”, “Gallow’s Pole”, “Houses Of The Holy” y “Over The Hills And Far Away”. Todas ellas fueron reversionadas al estilo country-rock en el que Plant se siente cómodo en esta etapa de su carrera.
La nueva Band of Joy tiene poco y nada que ver con la original, en la que Plant cantaba antes de Zeppelin. Su sonido se emparenta con el de Raising Sand, el disco que grabó con Krauss. A propósito, la Band Of Joy se creó luego de que nuevas sesiones del duo no dejaran resultados satisfactorios. Está formada por por Patty Griffin (voz y guitarra acústica), Darrell Scott (guitarra y otros) Buddy Miller (guitarra), Marco Giovino (batería) y Byron House (bajo y contrabajo).

Les dejo un video de "Houses Of The Holy", grabado aquella noche:

La Pesada del Facebook

2010-09-23T11:42:00.001-03:00

"Diversión generalizada: invitar músicos a tocar en la 9 de Julio, gratis, vía Facebook. Alguien con pelotas para organizar: la intendencia, un patrocinador inteligente, el gobierno o alguien que todavía le quede algo de lucidez en el balero... Muévanse vía facebook, twitter, lo que sea... Yo voy a cumplir mi parte de juntarlos a todos en el escenario."
A casi 40 años de los famosos incidentes en el Luna Park (¿alguna vez sabremos la verdad sobre el “Rompan Todo”?), el diario La Nación publicó hace unas semanas que Billy Bond promueve el regreso de La Pesada... via Facebook.
Para los que no la conocen, esta legendaria agrupación de nuestro rock grabó varios discos durante los años 70 y era un verdadero seleccionado de músicos: Javier Martínez, Alejandro Medina y Claudio Gabis, (los tres ex Manal) pasaron por sus filas, entre tantos otros, siempre comandados por Billy Bond. Lamentablemente, conseguir sus discos hoy es casi una misión imposible, ya que no fueron reeditados en CD (revisando un poco las disquerías, quizás encuentren algún compilado).
Mitad en broma, mitad en serio, La Pesada fue, con Pappo, precursora de una de las primeras divisiones en el rock nacional, entre “duros” y “blandos” (Sui Generis, León Gieco, etc.), algo que realmente no aportó nada al nuestra música. Pero así somos, nos gusta vivir de antinomias.
No uso mucho Facebook, pero me da mucha intriga, voy a tratar de averiguar un poco más sobre esta reunión. Desde ya que sería muy divertido ver a todos esos viejos locos en un escenario, tocando clásicos como “La Pálida Ciudad” o su psicodélica versión de “La Marcha de San Lorenzo".

Dialoguito

2010-08-27T15:31:00.001-03:00

- Este año fue el 25º aniversario del “Rock & Roll Hall of Fame”. ¿Falta alguien?
- Obvio, falta Spinetta. Pero esa es la gracia que tenemos sobre ellos. Nosotros conocemos a Dylan, a Johnny Cash, pero ellos no conocen al flaco. Quitando eso, está bastante completo.

La pregunta es de un periodista de la revista Noticias y la respuesta es de Bobby Flores, a propósito de una colección de DVDs que el semanario comenzará a publicar esta semana.
Bobby tiene razón. La música del Flaco no es conocida fuera de Argentina y algunos países latinos. “Esa es la gracia que tenemos sobre ellos”, explica con brevedad. Pero, a decir verdad, a mí me gustaría que la música de Almendra o Pescado tuviera un poco más de trascendencia como, por ejemplo, la de Os Mutantes o la de Café Tacuba. ¿Por qué será que el rock argentino no logra traspasar las barreras idiomáticas?

Mancuspias en el botánico carioca

2010-08-24T15:47:00.000-03:00

Hacia mediados de los años 60, la beatlemania se había transformado en un fenómeno inmanejable para los cuatro músicos que la originaron. Años de giras agotadoras hicieron impacto en los Fab Four hasta que decidieron recluirse en el estudio y salir a tocar en contadas ocasiones, hasta abandonar los escenarios definitivamente. Durante ese proceso, para no perder la enorme presencia mediática alcanzada gracias a la TV, produjeron videoclips de cada uno de sus lanzamientos y los enviaron a programas como The Ed Sullivan Show o American Bandstand. Al no poder ir a tocar en vivo, era una manera de dar el presente. Clips como “Penny Lane” o “Strawberry Fields Forever”, entre otros son hoy verdaderas perlas de colección, filmadas con la tecnología de la época.
¿A qué viene todo esto? Me estoy debiendo una nota sobre el disco debut de Florentino, pero quiero tener tiempo para escribirla tranquilo y dejar pasar un tiempo una vez escuchado el disco. Mientras, aprovecho para compartir este video de Mancuspias, producido por Planeta del Cangrejo, que en cuanto lo vi me hizo acordar a aquellos videoclips de los Beatles en cuestión, y también al segmento “The Fool On The Hill”, de la película Magical Mistery Tour.

Pedacitos grandes: “Walk On”, de U2

2010-08-18T13:53:00.002-03:00

Suelo esquivar los grandes monstruos del rock en este blog, para fijarme en cosas que suelen quedar afuera de los medios masivos. Por eso no escribo mucho sobre U2, una banda que me gusta. No me vuelve loco, pero tiene varias buenas canciones, un cantante carismático, una base sólida y correcta y un guitarrista interesante -mi preferido de los cuatro-, que desarrolló un sonido personal (y muy copiado en esta década), uno de los sellos de U2.
Este pedacito grande está en parte dedicado justamente a The Edge y su mezcla de “economía de recursos + buen gusto” en “Walk On”, una de las mejores canciones de All That You Can’t Leave Behind, su disco de 2000. Está dedicada a Suu Kyi, una mujer que lucha por la paz en su Birmania natal, y la letra la incita a seguir peleando a pesar de tanto sufrimiento.
Llegando al final del tema, Bono canta una especie de puente antes del final:

And I know it aches
and your heart, it breaks
You can only take so much
Walk on

A continuación, The Edge entrega un brevísimo solo de guitarra (antes ya había tocado otro excelente y más largo) que es un claro ejemplo de su estilo. El solo sigue, pero queda abajo en la mezcla, para el heroico final de Bono:

Leave it behind, you've got to leave it behind
All that you fashion,

All that you make,

All that you build,

All that you break,

All that you measure,

All that you steal,

All this you can leave behind,

All that you reason,

All that you sense,

All that you speak,

All you dress up,

All that you scheme…

Siempre me gustó este final, esta parte de la letra, un juego con el título del disco (All this you can leave behind). Primero, el pedido de “dejarlo atrás”, y luego una lista de esas cosas que nos hacen como personas y que Bono sugiere descartar para seguir adelante.

The Wilco Book

2010-08-06T15:57:00.001-03:00

La relación entre la música y los libros es vieja. Cada rockero, a su manera, suele tener una relación especial con las letras. La mayoría son lectores; algunos se animan a pasar al otro lado del mostrador y escribir una autobiografía; y otros, más inquietos, buscan plasmar su búsqueda artística en un libro.
No es fácil hacerlo. Allá lejos y hace tiempo, Carlos Marcucci le propuso a Almendra hacer un libro, que finalmente fue publicado en 1971 y reúne dibujos y textos de Caloi, Broccoli y los cuatro músicos, entre otros. Una edición histórica, hoy fuera de catálogo.
Hace muy poco llegó a mis manos The Wilco Book, y enseguida me acordé de aquel proyecto de Almendra, porque la idea es parecida: expresar su arte desde el papel, dejando descansar a las guitarras.
En sus páginas, una de mis bandas preferidas actuales se ocupa de describir, básicamente, para qué están en el mundo y cómo llevan a cabo su misión. Cada hoja se llena con total libertad, con fotos, textos propios de miembros de Wilco y otros ajenos (como un ensayo de Henry Miller), cuadros, imágenes, pequeñas grandes frases (tímidamente escondidas sobre los márgenes), colaboraciones del staff, o descripciones minuciosas sobre cómo grabar un disco o cómo hacer sonido en vivo. El diseño del libro es espectacular: cada página es distinta, no hay un patrón a seguir. Al principio uno se siente un poco perdido, pero con el progreso de la lectura es inevitable sumergirse en el universo de Jeff Tweedy y Cía.
The Wilco Book nació a partir de la colaboración de la banda con PictureBox, un colectivo de diseñadores neoyorquinos. Como bonus track, incluye un CD con temas inéditos grabados durante las sesiones para el disco A Ghost Is Born. Muchos de ellos son experimentos sonoros en los cuales, por ejemplo, Jeff Tweedy tocaba su guitarra en una sala sin escuchar al resto de los miembros de la banda, que acompañaban sus improvisaciones. Muy estilo Captain Beefhart.
Qué bueno es tener amigos… entre otras cosas porque te pueden pasar libros como The Wilco Book. Gracias Anita (www.elplanetadelcangrejo.blogspot.com) por prestarme esta joyita de la cual desconocía su existencia.

Mil y una canciones: “Wear Your Love Like Heaven”, de Donovan

2010-07-29T11:37:00.002-03:00

Lo tenía olvidado a Donovan en este blog, y qué mejor que recordarlo con una de sus grandes canciones. A decir verdad, la historia del rock lo tiene muy descuidado. Aún hoy parece que no se le perdona la inspiración dylaniana de sus comienzos (“Catch The Wind”), como si ningún músico hubiera dado sus primeros pasos copiando a los artistas que admira. Con el correr de los años, demostró que desarrollar su estilo. Sus discos de los años 60 son clásicos de época, mezcla de folk (inglés y americano), pop, jazz, rock y hasta algunos toques afrolatinos. ¿Para cuándo una reivindicación para Donovan?
Más allá de ser una de mis preferidas de su discografía, la canción que elegí es también un claro ejemplo del “estilo Donovan”. Forma parte de su quinto disco, A Gift From A Flower To A Garden, de fines de 1967, un doble LP que profundiza la búsqueda sonora y lírica que Donovan había mostrado poco antes con canciones como “Epistle To Dippy” y “There Is A Mountain”.
Poco y nada de Bob Dylan hay aquí: Donovan ya ha desarrollado su propia forma de cantar, plasmada en “Wear Your Love Like Heaven” con una particularidad: entona las estrofas con una onda más lúgubre, para luego en los estribillos y los puentes pasar a una voz más dulce y suave.
La letra hace mención a una serie de colores muy psicodélicos, como azul prusiano (Prussian Blue). Es raro cómo Donovan pronuncia cada uno de ellos, como si fuera hindú o En una de las estrofas, Donovan parece ponerse en el lugar de un negro y hablar de su lucha por la integración, un tema central por aquellos años: “Can I believe what I see, all I have wished for will be, all our race proud and free” (“Puedo creer lo que que veo, todo lo que deseé será, nuestra raza orgullosa y libre”). Con una temática similar, Paul McCartney escribiría “Blackbird” pocos meses después. Sin embargo, Donovan parece ser mucho más misterioso sobre el sentido de esta canción. En los comentarios de la reedición en CD de su Greatest Hits (Epic/Legacy, 1999), el trovador escocés dice lo siguiente sobre “Wear Your Love Like Heaven”:
“¿Qué más podemos hacer? ¿Y cómo podemos convencer a los que duermen que somos polvo de estrellas? Todos debemos contemplar el paso de nuestras olas de pensamiento para ver la verdadera realidad. Somos lo que soñamos. Tengan cuidado de las pesadillas soñadas. Sean celestiales y apaguen sus mentes para una pausa.”
Musicalmente, podría definir a “Wear Your Love Like Heaven” como un “jazz pop psicodélico”. Un detalle: exquisitos arreglos de flauta y vibráfono le dan color a la música, que no incluye guitarras grabadas. Todos los instrumentos están tocados con delicadeza jazzera, la melodía es pop y algunos arreglos tienen el típico sabor psicodélico de la época. Todo esto da como delicioso resultado esta canción. Quizás otros artistas que intentaran amalgamar estos ingredientes pasarían un mal momento. Donovan, en cambio, lo hace con maestría y sienta las bases de su estilo.

Ficha técnica:
· Nombre: “Wear Your Love Like Heaven”
· Posible intérpretes: Donovan Leitch (voz), Keith Webb (batería), Cliff Barton (bajo), Harold McNair (flauta), Mike Carr (vibráfono), Mike O’Neil (teclados)
· Compuesta por Donovan Leitch
· Producida por Mickie Most
· Grabada en octubre de 1967, publicada como un single en diciembre de 1967 (llegó al puesto número 23 en Estados Unidos) e incluida en A Gift From A Flower To A Garden (EE.UU., 1967, Reino Unido 1968).
Letra: http://lyricskeeper.es/es/donovan-leitch/wear-your-love-like-heaven.html

5 canciones sobre la amistad

2010-07-21T14:34:00.000-03:00

Ayer se festejó el Día del Amigo. Mi única reflexión es siempre la misma: si sirve como excusa para juntarnos entre amigos, me parece bárbaro.
El tema de la amistad aparece frecuentemente en el rock. Repasemos algunos ejemplos:
1- “Remember Me”, de The Zutons: la letra, en primera persona, cuenta la historia de un amigo de toda la vida del narrador, que dejó de frecuentar a sus amistades desde que se puso de novio. Incluida en el primer disco de la banda, Who Killed… The Zutons (2004) y también lanzada como single.
2-“Waiting On A Friend”, de The Rolling Stones: fresca y simple es una de las grandes canciones pop firmadas por Jagger y Richards. Se trata, nada más y nada menos, de hacer tiempo para esperar a un amigo y contar con él para hablar de las cosas que nos pasan. Es, además, el mejor video clip de la banda (ver abajo) según mi opinión. Incluida en Tattoo You (1981) y también lanzada como single.
3- “You’re My Best Friend”, de Queen: lindos arreglos de voces, piano Wurlitzer y batería en este tema compuesto por John Deacon, el bajista de Queen, y dedicado a su mujer (y mejor amiga, por lo que vemos), Veronica. Incluida en el exitoso disco A Night At The Opera (1975) y también lanzada como single. PD: John y Veronica siguen casados al día de hoy.
4-“Tema De Pototo (Para Saber Cómo Es La Soledad)”, de Almendra: enterado (equivocadamente) de la muerte de su amigo Pototo, el Flaco Spinetta se puso inmediatamente a escribir esta canción, que incluye una de las mejores frases sobre la amistad: “La soledad es un amigo que no está”. Publicado como single en 1968.
5- “Tapado De Dolor”, de Guasones: un interesante folk con influencias de Neil Young y el primer León Gieco, cuenta en primera persona la pelea del narrador con un amigo. “Los buenos amigos en las buenas siempre están, los buenos amigos en las malas siempre están.. qué pasó mi viejo Pol, el tiempo nos separó a los dos”, canta Facundo Soto. El solo de guitarras es quizás el mejor en toda la discografía de la banda. Incluida en el primer disco de la banda, homónimo (2000).
Bonus track: “Mi Querido Amigo Pipo”, de Moris: directamente dedicada a su gran amigo, el poeta y periodista Pipo Lernoud, es uno de los grandes clásicos de Moris, mientras Pipo andaba de viaje por ahí. “Cuando quiero recordarte, entro a un bar de esos de antes y miro el mundo pasar”, cierra Moris al final de la canción, con un fondo musical a puro vértigo. Incluida en Ciudad de Guitarras Callejeras (1973).

Dave recuerda a Pete

2010-07-19T13:05:00.000-03:00

Recientemente fallecido, el primer bajista de los Kinks, Pete Quaife, fue recordado con emoción y lindas anécdotas por Dave Davies, el guitarrista. Nunca me había puesto a pensar en lo importante que fue Quaife para la banda, a la que uno siempre identifica con los hermanos Davies.
Según cuenta Dave, Quaife fue clave en la formación de la identidad visual de la banda, ya que era artista y diseñador gráfico. Se llamaba a sí mismo “El Embajador”, ya que le gustaba conocer gente y era muy simpático, a diferencia del tímido Ray y el áspero Dave. El bajista fue, además, el inventor del coro “sha-la-la”, un arreglo fundamental en el hit “Waterloo Sunset”.
“Recorríamos los pequeños negocios de ropa de Carnaby Street y Kingly Street –recuerda Dave, entre otras anécdotas-. Después de trabajar pasábamos por el negocio de jazz Dobell e íbamos al Piccadilly Club. Yo era muy joven por lo que él me hacía entrar –ahí vi por primera vez a los Stones- y también íbamos al 51 Club (en Great Newport Street, Soho).”
Curiosamente, el disco preferido de Quaife es The Village Green Preservation Society (1968), una de las obras maestras de la banda, pero el último en el que participó como miembro pleno.
La nota completa se puede leer en la web de la revista Mojo:
http://www.mojo4music.com/blog/2010/07/au_revoir_pete_quaife.html

Reeditan el catálogo de Apple

2010-07-12T13:31:00.000-03:00

Arranquemos la semana con una buena noticia. Quince álbumes publicados por Apple entre 1968 y 1973 serán reeditados el próximo 26 de octubre en una versión remasterizada y con material extra.
Un poco de historia: cuando los Beatles crearon Apple, uno de sus objetivos principales era promover a nuevos artistas. Así, llegaron a sus oficinas millones de grabaciones, la mayoría de las cuales seguramente nunca fue escuchada. El catálogo artístico se formó con aportes y recomendaciones de cada uno de los Beatles: James Taylor, Billy Preston, Mary Hopkin y Badfinger fueron algunos de los privilegiados en publicar discos bajo el sello de la manzana. Hubo algunos éxitos rotundos de ventas, pero, pesar de contar con este aval inmejorable, ninguno de ellos se acercó al nivel de popularidad de los Beatles. James Taylor es quizás el que logró desarrollar una carrera más fructífera con el correr de los años.
Algunos de los títulos que se reeditarán son:
- el álbum debut de James Taylor, homónimo (1968), que incluía un par de sus clásicos: "Something in the way she moves" y "Carolina in my mind"
- "Magic Christian music" (1970), "No dice" (1970),"Straight up" (1972) y "Ass" (1974), cuatro joyas de Badfinger
- "Post card" (1969) y "Earth song, ocean song" (1971), de Mary Hopkin
"That's the way God planned it" (1969) y "Encouraging words" (1970), de Billy Preston
¡Qué ganas de tenerlos! ¿Se editarán también acá? La lista completa está en http://www.thebeatles.com/#/news/Badfinger_Billy_Preston_Mary/

La música y la ciudad

2010-07-06T15:05:00.002-03:00

A pedido de Kioskerman, y con mucha demora, tomo la posta para referirme al rock y los entornos que lo condicionan. Mi amigo parte de la premisa que indica que no es casual que la música de The Ramones haya sido exitosa en grandes urbes como Buenos Aires o Nueva York y que haya pasado desapercibida en el resto del planeta.
Dice el Kioskero: “Ayer venía oyendo a los Ramones, de noche, por la calle y en el subte. Y me di cuenta de algo. Los Ramones son animales de ciudad. Y de una gran ciudad. Una gigantesca urbe. Y me di cuenta de que su música representaba perfectamente lo que sentía mientras viajaba en el subte, mientras veía las luces de neón, olía el humo de un bondi mezclado con los árboles de la plaza”.
Yo también siento que determinados discos transmiten cosas parecidas. Some Girls (1978), de los Rolling Stones, es un producto típicamente neoyorquino. Los dos primeros discos de The Band huelen al campo y al bosque de Canadá y del norte de Estados Unidos (en este caso, es conocido que ellos tuvieron su base de operaciones en una casa en Woodstock pero, así y todo, creo que su música me remitiría igual a esos mismos entornos aunque desconociera esta historia).
No voy a volver sobre sus ideas (http://kioskerman.blogspot.com/2010/06/animales-de-ciudad.html) ni a divagar demasiado al respecto, sólo me permito agregar algunas consideraciones la música y la ciudad de Buenos Aires, basándome en la música de sus artistas.
En el rock nacional, mucho se habló de la diferencia entre Almendra (el campo) y Manal (la ciudad). Yo no estoy de acuerdo. Almendra también es ciudad, pero una distinta a la de Manal, complementaria. Se nota que son de distintos barrios y orígenes: Almendra, estudiantes del secundario y del bajo Belgrano; Manal (o Moris), tipos un poco más grandes, más curtidos, con más “noche” y microcentro. Eso no quita que los dos le canten a la misma ciudad y a sus mismos habitantes, aunque no lo parezca a primera vista. Los “Hombres Tristes” de los que habla Almendra pueden ser tranquilamente los obreros que “fumando impacientes, a su trabajo van”, descriptos por Javier Martínez en su “Avellaneda Blues”. Y esa misma ciudad de Buenos Aires sigue siendo fuente inagotable para artistas como Ariel Minimal (por nombrar uno que me gusta a mí).
Dice también el Kioskero: “Cuando oigo un tango, me hace acordar a Buenos Aires. Cuando oigo a Miles Davis, estoy en Nueva York de noche. Con Marley, me voy a una playa”.
Yo, cuando escucho “A Estos Hombres Tristes”, me siento en una plaza cualquiera de Buenos Aires. Con “No Pibe”, me teletransporto a 9 de Julio y Corrientes. Si pongo “Guarda con la Rutina” (Pedro y Pablo), me imagino en Libertador, a la altura de Retiro, al atardecer: “Mira que te estás yendo con los demás en la monotonía de cada día sin novedad”. No deja de sorprenderme esa cualidad de la música de transmitir con melodías sensaciones, situaciones, lugares y personas. Los primeros rockers de acá lo lograron con notable calidad.

Ciudad de guitarras callejeras

2010-06-29T10:23:00.003-03:00

"Uno de los "problemas" que tiene el rock barrial/chabón para salir ileso de las críticas es que esa pretendida mirada de entorno, social y poética, ya se hizo mucho antes. Y mucho mejor.

Puede que haya una reminiscencia fonética entre los nombres de Mauricio Birabent (Moris) y Patricio Fontanet. Pero lo que ni el cantante de Callejeros ni casi nadie en la historia de nuestro rock ha conseguido es tallar de la forma atemporal, oracular y musical que este señor logró en su segundo disco, Ciudad de guitarras callejeras (1974). Mientras las bandas de la época se ponían al día con el rock progresivo (Invisible, Aquelarre), la canción confesional (Sui Generis) o el hard rock (Pappo's Blues), él se vestía de negro y se ensimismaba entre el boogie y el tango, anticipando los años de plomo y su exilio (Te tocarán el timbre y De aquí, adónde iré). En tanto, Muchacho del taller y la oficina es un mantra histórico que sería la baba de cualquier snob si lo hubiera grabado The Velvet Underground. Y El mendigo del Dock Sud, recuperado en Genius por Los Piojos (con Andrés Calamaro, uno de sus mejores discípulos), pone la piel de gallina con una de las mejores primeras personas de nuestro rock.

Así que, niños, dejen ya de joder con Sabina y Arjona."

El texto de arriba fue escrito por el periodista José Bellas y publicado en el último suplemento Sí. Sólo voy a agregar que coincido en un 100% y que la tapa es una de mis preferidas del rock nacional.

Some Girls rockin’ San Telmo

2010-06-14T15:14:00.000-03:00

Ayer parecía un típico domingo lluvioso de otoño en Buenos Aires, pero en San Telmo un grupo de 300 y pico de personas eligió cortar con el aburrimiento y sacudirse al ritmo de Girls. Fue la primera visita del grupo de San Francisco a nuestra ciudad y el final de una larga gira que también los llevó a Brasil.
Los chicos (no hay chicas en el grupo, sino en el público, aclaro por las dudas…) brindaron un atractivo show de unos 70 minutos en el elegante Samsung Studio, un lindo lugar (lástima el techo tan bajo que obliga a tener un escenario de poca altura). Girls está formado por dos líderes, Chistopher Owens y Chet White en guitarras, y un trío acompañante de bajo, batería y teclados. Era graciosa la diferencia entre ambos: los dos primeros tenían peinados raros y camisas ochentosas, mientras que los otros tres parecían oficinistas en un happy hour. El sonido también marcaba distancias: las dos guitarras (lindísima combinación entre una Telecaster y una Rickenbacker) estaban bien al frente, sostenidas por los otros instrumentos.
Un aspecto interesante de Girls es que, musicalmente, su sonido es más “inglés” que “yankee”. Podrían encontrarse referencias a Velvet Underground también, y hay ciertas bandas norteamericanas actuales, pero básicamente lo que hacen me remite al rock y pop inglés de los 60s. Tienen un lindo sonido, bien guitarrero, estribillos coreables y algunas canciones con toques más oscuros (ahí se nota la influencia de VU).
Del escenario para abajo, noté una situación rara: no hubo demasiado clima; se notó que la mayoría de los que allí estábamos no éramos fanáticos de su música e incluso apenas los habíamos escuchado. Pero eso no opacó el recital, una buena manera de terminar el fin de semana con una sonrisa. Les dejo un video:

5 clásicos al estilo inglés de los 60s

2010-06-08T15:33:00.002-03:00

Hay temas que todos conocemos ni bien empiezan a sonar en un boliche, una radio o en cualquier otro lugar. Muchas veces no sabemos su nombre, ni su intérprete, y mucho menos su autor, pero podemos cantar su estribillo de punta a punta. Pues bien, algunos de esos grandes clásicos fueron compuestos y/o grabados por grupos de rock/pop ingleses de la década del 60. Se trata de viejas perlas que hoy son recordadas sólo por fanáticos. Veamos algunos casos:
1- “Love Is All Around”, por The Troggs: Mega hit de los años 90 en la versión de Wet Wet Wet, fue grabada originalmente por The Troggs, un grupo también recordado por la el garage rock “Wild Thing”. Fue compuesta por el cantante de la banda, Reg Presley, publicada como single en 1967 e incluida luego en varios discos recopilatorios de la banda, como Hit Single Anthology.
2- “Can’t Take My Eyes Off You”, por The Easybeats: “You’re just too good to be true, can’t take my eyes off you…” clásico en todos los casamientos, este tema fue grabado allá lejos y hace tiempo por esta banda de pop rock australiana, sobre la cual ya escribí hace poco. Incluido en el disco Vigil (1968).
3- “It’s In Her Kiss”, por The Hollies: muchos años antes de que Cher la reversionara, esta canción fue grababa por la notable banda de Manchester en su segundo LP. Una gran versión al estilo de la música beat de la época, la mejor de las cinco que integran este ranking. Incluido en el disco In The Hollies’ Style (1964).
4- “Without You”, por Badfinger: esta balada fue grabada originalmente por Badfinger y compuesta por su dupla creativa Pete Ham – Tom Evans, pero el que suscribe -y cualquiera que haya crecido entre fines de los 80s y principios de los 90s- difícilmente pueda sacarse de la cabeza la lacrimógena versión de Air Supply, quienes supieron venir a cantarla hasta en Ritmo de la Noche con Tinelli (si no me falla la memoria). Incluido en el disco No Dice (1970).
5- “America”, por Rory Storm and The Hurricanes: la más bizarra de todas. Para aquellos que no lo sepan, el baterista de los Huracanes de Rory Storm era nada más y nada menos que Ringo Starr antes de tocar en los Beatles. Por favor escuchen esta versión de “America”, publicada en el CD recopilatorio Complete Works:

Aquí está la de los Hollies:

Y la de The Troggs:

Pedacitos grandes: “Debajo del álbum blanco”, de FlopaManzaMinimal

2010-06-01T13:09:00.000-03:00

Los que ya habíamos tenido la suerte de escuchar a Flopa Lestani, Manza Esain y Ariel Minimal sabíamos de qué se trataba: un clima mágico se forma en sus shows, sus de por sí talentosas individualidades se potencian cuando se juntan, y es por eso una gran alegría haber presenciado la reunión del grupo el jueves pasado en UItra. Creo que no hubo una canción mala o siquiera regular en todo el repertorio, entre canciones de sus proyectos paralelos, covers y un repaso casi completo por su único disco, publicado en 2003.
En aquella grabación quiero poner el foco, especialmente en una canción, “Debajo del Álbum Blanco”. El jueves, cuando Flopa empieza a cantar la segunda estrofa, Manza y Minimal hacen un breve coro a dúo, un preciso “Aaaahhh” que entra y sale de la canción haciendo fade-in y fade-out, como si hubiera sido procesado por una computadora. Pero no: son ellos, en vivo y en directo, enfrente de mis ojos y de los de toda la audiencia. No hay trucos.
Creo que podría haber elegido cualquier otro pedacito de cualquier otra canción del trío, ya que su primer disco es de nivel superlativo. Pero siempre me había gustado ese arreglo vocal, y el jueves me acordé por qué. En fin, los que escucharon al trío creo que saben de qué hablo, ¿no? Ahora comienzan con un ciclo en La Plata y parece que a fin de año volverán a tocar en Buenos Aires. Yo ya estoy subido a la carreta de los días por llegar…

Grandes personajes del rock: hoy, George Young

2010-05-27T13:41:00.003-03:00

Imagínense qué puede haber en común entre una banda de pop inglés de los 60s, AC/DC y el megahit “Love Is In The Air”. La respuesta es George Young, un personaje con una historia muy particular que describiré a continuación para develar la incógnita de la oración anterior.
George nació en Escocia pero creció en Australia, luego de que su familia se mudara en 1963, cuando era un adolescente. Pocos meses después, junto a Steve Wright, Dick Diamonde, Harry Vanda y Gordon Fleet, formó The Easybeats. En poco tiempo, la banda se transformó en el mejor exponente de la música Merseybeat y alcanzó una enorme popularidad en todo el país. El éxito los llevó a buscar el reconocimiento internacional, y en 1966 desembarcaron en Inglaterra, donde grabaron con Shel Talmy, el ilustre productor de The Kinks. Un año después, publicaron su mayor éxito “Friday On My Mind”. Sin embargo, a partir de allí, la carrera del grupo entró en declive por diferentes razones, hasta que decidieron separarse.
Hasta aquí, todo normal, la típica historia de una one-hit wonder de los sesenta. Young y Vanda decidieron comenzaron a trabajar como productores y compositores para otros artistas. En los años 70, decidieron jugarse unas fichas por la banda que habían formado los hermanos menores de George, Malcolm y Angus… AC/DC, claro. Young y Vanda produjeron los primeros discos del grupo, High Voltage (1975), TNT (1975),Dirty Deeds Done Dirt Cheap (1976), Let There Be Rock (1977) y Powerage (1978).
Pero George no quería ser un solamente un paladín del rock duro ni mucho menos, y por eso su actividad como productor musical era diversa. Quizás su pico de popularidad lo alcanzó a fines de los 70s, con el tema “Love Is In The Air”, megahit que suena hasta el día de hoy en publicidades y casamientos. Co-compuesto con Vanda para el cantante John Paul Young, llegó a los primeros puestos en los rankings de todo el mundo.
Con el tiempo, la carrera de George se fue apagando, aunque todavía quedaba espacio para volver al hard rock con Stiff Upper Lip, el disco que produjo para AC/DC en 2000. Mientras tanto, la música de The Easybeats permanece en el recuerdo como una de las páginas de gloria del rock australiano, a más de 40 años de aquel éxito con “Friday On My Mind”.

George en sus días de gloria con sus compañeros de grupo. Y en este link se lo puede ver en vivo:

http://www.youtube.com/watch?v=rBJLoYd8xak

¡Sí! Se viene la nueva edición de Exile On Main Street

2010-05-10T16:48:00.003-03:00

Ya lo habrán leído en varios lados: Exile On Main Street, la obra maestra publicada por The Rolling Stones en 1972, será reeditada este mes en formato extendido.
Lo más interesante es que incluirá ocho temas que nunca fueron lanzados oficialmente, entre ellos “Plundered My Soul”, “Dancing in the Light”, “Following the River” “Pass The Wine”. La nueva edición incluirá además dos tomas alternativas de “Soul Survivor” y “Loving Cup” y un nuevo documental llamado Stones in Exile, con material de archivo nunca visto, fotos y entrevistas.
Como no podía ser de otra manera, además de la edición estándar, habrá una para coleccionistas que incluirá el disco en formato CD y vinilo, un DVD con el documental y un libro de 50 páginas con fotos. Falta poquito: su salida está anunciada para el 17 de mayo en el Reino Unido y un día después en Estados Unidos. Se confirmó que va a ser publicado en Argentina, aunque todavía no tengo detalles de fechas ni formatos (dudo que se publique el formato deluxe).
El año pasado en este blog publiqué un especial sobre Exile… que puede buscarse en las etiquetas. Es uno de los grandes discos de la historia del rock, grabado por los Stones en Villa Nellcôte, al sur de Francia, en la mansión donde vivía Keith Richards por entonces, luego de que la banda decidió “huir” de Londres para evitar los altísimos impuestos británicos.
Alfredo publicó Rosso otra nota interesante para leer es la que en su blog Con-secuencias:
http://weblogs.clarin.com/revistaenie-consecuencias/archives/2010/04/los_malditos_stones_1.html

Una foto de paquete de lujo:

Y una perla de época: la publicidad de TV que promocionó la salida del disco en 1972 (gracias Gato):

Top of The Pops

2010-05-05T15:46:00.001-03:00

El último domingo, el suplemento Radar de Página/12 publicó una interesante nota sobre Top Of The Pops (TOTP), legendario programa musical inglés. A lo largo de sus más de 40 años de historia, pasaron por ahí los artistas más populares de cada época. Para poner un ejemplo clarificador: llegar a TOTP era como salir en la tapa de la revista El Gráfico para un deportista en Argentina.
Este programa comenzó a transmitirse por la BBC el 1º de enero de 1964, que lo mantuvo en el aire hasta julio de 2006. En aquel primer envío estuvieron, entre otros, nada menos que los Beatles, los Stones y los Hollies. Su inmediato éxito provocó que al tiempo aparecieran copias, como Ready Steady Go, Beat Club (en Alemania) y muchos otros programas más. Hoy, cualquiera de esos shows constituye una verdadera perla de época, no sólo por los músicos que se presentan, sino también por sus presentadores, su escenografía, vestuario, etc. Nos permite sumergirnos por un rato en aquellos tiempos, algo parecido a lo que hace (de manera ficcionalizada) cada capítulo de la serie American Dreams, basado en otro programa de entonces, American Bandstand (que se emitía en Estados Unidos), que constituye un claro antecedente de TOTP (ya que comenzó a emitirse en la década del 50).
Para los que disfrutamos con la música de los 60s, el archivo de TOTP y de todos estos otros programas es casi un sueño hecho realidad, ya que nos permite disfrutar de las grandes bandas de entonces, cuando obviamente no existía MTV ni Youtube ni nada parecido. Además, suele ser muy gracioso verlos hacer playback de sus hits (no se los dejaba tocar en vivo por aquellos tiempos). Afortunadamente, el canal TCM comenzó a emitir los sábados a las 21 h Colección Top Of The Pops, con una selección de lo mejor del programa. Una grata novedad.
La nota entera publicada en Radar se puede leer en:
http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-6118-2010-05-04.html

Y, de paso, acá va un videito de muestra. The Byrds, de visita en Londres y en vivo en Top Of The Pops (1965), haciendo “All I Really Wanna Do”:

La música en Gran Bretaña antes de los Beatles

2010-04-29T11:39:00.003-03:00

Hace poco vi una película que me hizo pensar sobre qué escuchaban los británicos antes de los Beatles. Porque los norteamericanos escucharían country, cada país su folklore local (nosotros tango y folklore provincial) pero… ¿los ingleses? Una posible respuesta es la banda de sonido de An Education, una linda película que se estrenó hace unas semanas.
Lejos de los efectos especiales de Avatar, los dilemas bélicos de Vivir al límite y el suspenso inteligente de El secreto de sus ojos, An Education cuenta una historia simple. Carey Mulligan es Jenny, una chica londinense de clase media alta en su último año de colegio, preparándose para entrar a Oxford. No quiero entrar en detalles, por mínimos que sean, sólo voy a agregar que la vida de la protagonista cambia ante un inesperado encuentro con un hombre veinte años mayor.
La acción transcurre en 1961, pocos meses antes de que estallara la Beatlemania (el primer single de la banda, “Love Me Do”, sale en 1962). No sé si la elección de 1961 fue casual, pero es un detalle interesante, ya que permite jugar a ver cómo era Londres antes de la locura beatle, y obviamente mucho antes de ser swingin’ London. Y la banda de sonido de la película nos acerca un poco a imaginar qué escucharían esos adolescentes ingleses que todavía no sabían nada de John, Paul, George y Ringo.
Pues bien, la respuesta es: de todo un poco. Ray Charles, jazz instrumental y cantado, Chanson francesa (Juliette Gréco), pop (Brenda Lee, Billy Fury), rock instrumental (no, no están los Shadows, sino Hunters) y mucho más. Yo quiero rescatar dos perlas:
- “Comin’ Home Baby”, de Mel Tormé, rhythm and blues con coros femeninos al estilo Ray Charles y toda la onda para mover la patita al compás de la música.
- “On The Rebound”, de Floyd Cramer. Esta alegre canción instrumental, bien de la época, es utilizada en los títulos de apertura y fue por entonces uno de los grandes éxitos de un artista con un extenso currículum, cuya frutilla es haber grabado el notable piano de “Heartbreak Hotel”, primer single de Elvis para RCA.
Si les gusta la música de los 50s y 60s, y las ondas de aquellos años en general, miren la película. La Londres de aquellos años está bien lograda y hay buenas actuaciones, como la de Jenny/Carey (la pelirroja más linda del mundo, después de Jane Asher claro!), que fue nominada como mejor actriz en los últimos premios Oscar. Como decía antes, me resultó interesante que situaran la acción antes de los Beatles, ya que la mayoría de las películas de los 60s transcurren con la década ya avanzada.
Un último detalle: el autor de la adaptación para cine es don Nick Hornby, por lo cual obtuvo una nominación en los últimos premios Oscar. Me lo imagino también metiendo mano en la banda sonora, sin poder contener su pasión por la música.
Nota post-escritura de este post: Después de escribir todo esto veo que en el sitio web de la película aparecen unos interesantes comentarios de Hornby sobre la música elegida, que también hacen hincapié en el particular detalle de la época elegida, justo antes de que aparecieran los Beatles y los Stones:
http://www.sonyclassics.com/aneducation/

Una escena de la película: Jenny (Carey Mulligan) y David (Peter Sarsgaard)

Grandes diálogos de la historia del rock

2010-04-23T15:37:00.000-03:00

- Soy Peter Grant y manejo a Zeppelin.
- Yo no te vengo a contar mis problemas a vos.

Corría 1975 y Led Zeppelin se encontraba en medio de una de sus gigantescas giras por Estados Unidos. En una fiesta en Los Ángeles, Peter Grant, el manager de la banda (y “Quinto Zep”, podría decirse), se encontró con Bob Dylan y decidió presentar sus credenciales, ante lo cual recibió como respuesta un poco de la típica acidez dylanesca. Grant era un peso pesado en todo sentido, y no le debe haber gustado ni medio la respuesta de Bob. Para mediados de los 70s, Led Zeppelin era la banda número 1 del mundo, adorada por fanáticos que en pocas horas agotaban las entradas para todos sus shows en estadios de varias ciudades norteamericanas. Esa gira, por ejemplo, abarcaba 40 shows en 26 ciudades.
Esta es sólo una pequeñísima anécdota de las miles que están incluidas en Hammer of the Gods, la legendaria biografía no autorizada de Led Zeppelin escrita por Stephen Davis. El autor hace una minuciosa e interesante investigación de los orígenes de la banda y su trayectoria, pero lo que realmente volvió tan famoso a este libro es la recolección de historias y anécdotas relacionadas con sus descontroladas giras y su extraña maldición (¿vinculada a un pacto satánico?). Las andanzas de los músicos y su troupe por bares y hoteles de la costa oeste norteamericana eran tan incendiarias como sus recitales. ¡Gracias Kioskerman por prestarme el libro!

¡Twitter!

2010-04-19T13:51:00.001-03:00

Amigos,
este blog ya tiene su twitter: www.twitter.com/hoyamanecio
Los invitamos a sumarse a este microblog. Ya hay algunos tweets, algunos con noticias que no van a encontrar en otro lado...

Háganlo otra vez

2010-04-16T10:52:00.001-03:00

El viernes pasado prometí mi reseña sobre la película Do It Again, y aquí está.
Primero, hay que aclarar algo: si no sos fana de los Kinks, no sigas leyendo. Porque la película explica algo de la historia de la banda, pero básicamente está dirigida a los ya iniciados. Sin perder un segundo, presenta la historia de Geoff Edgers, un periodista del Boston Globe fanático de los Kinks. Al cumplir 40 años, Geoff decide regalarse un sueño imposible: intentar reunir a la atormentada banda de Ray Davies, separada a mediados de los 90s después de años de fracasos, (algunos) éxitos e interminables conflictos internos, principalmente entre Ray y su hermano menor Dave (como todo kinkómano sabe, Ray era el líder casi absoluto, lo que le dejaba poco espacio al resto de los músicos y Dave era quien más sufría esto).
En segundo lugar, vale aclarar que esto no es un documental de rock protagonizado por los Kinks. El narrador y “dueño de la pelota” es Geoff. Por momentos, para mí, toma un excesivo protagonismo, mezclando detalles de su vida privada con su investigación sobre los Kinks. Esto debe haber sido una decisión del propio Edgers (también guionista) y del director, Robert Praton-Spruill, pero no termina de quedar claro el porqué, ya que no aporta mucho a la historia.
En lucha por reunir a los Kinks, Geoff busca el apoyo de otros músicos. Siempre tiene a mano un comentario o una ironía ante cada situación, especialmente ante aquellos que no le dan bola. Sin embargo, otros demuestran su fanatismo ante la cámara y regalan momentos muy divertidos, como Sting y Zooey Deschanel. El líder de The Police viaja mentalmente en el tiempo para recordar la primera vez que escuchó a los Kinks y después se prende gustoso a tocar con la guitarra “You Really Got Me”. Zooey se ríe sola recordando algunas letras de canciones y también regala su mini homenaje cantando “David Watts”.
Para el final, llegan los momentos culminantes de la película: el viaje a Londres para participar de un encuentro anual de kinkómanos y el encuentro con los músicos de la banda… o más precisamente con algunos, ya que no todos quieren participar de la película. Uno de los que acepta es Dave Davies, quien con una frase deja en claro las diferencias entre él y su hermano: “Ray fue feliz desde los 0 hasta los 3 años” (cuando nació Dave, claro…). Hay varios momentos muy jugosos, pero me los guardo para que se sorprendan al ver la película.
En fin, pulgares arriba para Do It Again. Ya se pasó en el Bafici, y por ahora no se me ocurre otra forma de verla. En su web hay algunas escenas y otras cosas, entre ellas el afiche, muy lindo.
http://www.doitagainthemovie.com/

Plastic Ono Band

2010-04-14T16:12:00.003-03:00

¿Hay una historia detrás de la lista de temas de Plastic Ono Band? Aquel legendario primer disco solista de John Lennon siempre tuvo un aura especial, con su tono apagado, oscuro, rabioso, introspectivo y confesional (sí, aunque parezca imposible, todos esos adjetivos se complementan en aquella grabación). Hace 40 años, Lennon se sacaba de encima su pasado beatle y exorcizaba sus fantasmas. Ahora, Kioskerman nos revela un aspecto nunca investigado: el mensaje oculto de los títulos de las canciones. Más en:
http://kioskerman.blogspot.com/2010/04/plastic-ono-band.html

Adelanto

2010-04-09T11:04:00.002-03:00

Ya arrancó el Bafici, y mañana pienso ir a ver Do It Again, una original película sobre los Kinks. No quiero adelantar nada, ya que pienso escribir algo la semana que viene. Pero quería avisar de la existencia de esta rareza dentro de la programacioón. En este link hay más info de la película:
http://www.bafici.gov.ar/home10/web/es/films/show/v/id/291.html

En una isla desierta

2010-04-07T16:10:00.002-03:00

La pregunta es vieja: si tuvieras que viajar a una isla desierta y pudieras llevarte sólo un disco, ¿cuál elegirías? A fines de la década del 70, el reconocido crítico de rock Greil Marcus le preguntó a otros grandes veinte periodistas del género lo mismo, y cada una de sus respuestas fue reunida en un libro Stranded: Rock and Roll for a Desert Island. Dave Marsh, Lester Bangs y Robert Christgau y otras grandes firmas eligen sus preferidos, algunos clásicos absolutos, otros no tanto.
En la lista aparecen dos de Van Morrison, uno en vivo (It’s Too Late To Stop Now), el otro Astral Weeks (elección de Bangs), el primero de Velvet Underground, Beggar’s Banquet de los Stones, Something Else by The Kinks, Trou Mask Replica de Captain Beefhart, uno de The Ronettes, otro de The Ramones… hay de todo un poco (siempre teniendo en cuenta que el libro se hizo a fines de los 70s).
Pienso en qué raro sería pasarse el resto de la vida escuchando un solo disco, todo el tiempo, solo y en una isla. Cuesta imaginárselo y cuesta aún más elegir uno. Supongo que elegiría uno bien largo, para poder tener la mayor variedad y cantidad posible posible de música. ¿El White Album beatle? ¿Exile On Main Street de los Stones? ¿El segundo de Pescado Rabioso? Otro punto a considerar sería el afecto y los recuerdos que me provocaría escuchar esas canciones perdido para siempre en el medio del océano. Todos los mencionados arriba cumplen ese requisito, pero no quizás no tanto como Mientras Las Guitarras Suenen de Blues Motel. También quiero demasiado al primer disco de Almendra, al segundo de The Band o a All Things Must Pass de Harrison para vivir sin ellos. ¿Y Dylan? ¿Cómo sobrevivir sin volver a escuchar “Like A Rolling Stone”? Qué difícil elección…

Esta es la tapa de la última edición del libro, la saqué de Amazon: http://www.amazon.com/dp/030681532X/ref=pe_606_14883820_pe_ar_d1#noop

Un poco de psicodelia en la radio

2010-03-31T09:05:00.002-03:00

Amigos, les escribo para comentarles que mañana jueves 1º de abril a las 22 estaré como invitado en Rescate Emotivo, un programa de radio que se emite por Internet (http://www.radiosentidos.com.ar/). Junto con el conductor, Ale Gallagher, presentaremos un programa especial dedicado al rock psicodélico de aquí, de allá y de todas partes (bah, básicamente haremos hincapié en los artistas ingleses fundadores del género).
¿Qué significa "psicodelia"? ¿De dónde viene el nombre? ¿Cuáles son sus antecendentes? ¿Por qué fue la psicodelia una bendición para los Beatles y una carga pesada para los Stones o los Who? Las respuestas a todas estas preguntas, acompañadas de una selección musical de clásicos y joyas perdidas de rock y pop psicodélico, se develarán mañana de 22 a 23 en Rescate Emotivo.

Las aventuras de unmigone

2010-03-22T15:34:00.002-03:00

Un nuevo blog se suma a mi lista, unmigone.blogspot.com. ¿De qué se trata? De "las mismas cuestiones intrascendentes que me obsesionan en la vida real", según define su creador, el ilustre Ungui Migone. Yo diría que son pequeñas anécdotas de esta vida urbana posmoderna, o algo así. Viñetas al estilo Roberto Arlt, por qué no. Lo cierto es que vale la pena pegarse una vuelta cada tanto por el blog para ver cuál es la nueva curiosidad del día. ¿Sabe usted cuánto se tarda en cruzar la 9 de Julio? ¿O por qué Tabaré Vazquez y Martín Palermo son dos ídolos más allá de colores o banderas? Averígüelo ingresando a unmigone.blogspot.com

Después Te Explico

2010-03-05T09:55:00.001-03:00

Gran noticia: vuelve Alfredo Rosso a la radio. Este sábado 6 de marzo, de 17 a 20 h., arranca "Después Te Explico", su nuevo programa por la FM de Radio Nacional, 93.7 (www.radionacional.com.ar/vivo/nacional-937). Alfredo promete pasar "música de aquí, de allá y de todos lados", pero también hacer las necesarias conexiones con otras corrientes: cine, literatura, teatro, etc., etc.
Una linda noticia, ya que se extrañaba mucho “La Casa del Rock Naciente”. ¡A sintonizar la 93.7 el sábado!

Invitado

2010-03-02T13:03:00.003-03:00

Para los amigos que siempre me preguntan qué pasa con mi actividad como bajista, les cuento que estuve grabando un tema como invitado de Florentino. Se llama "As Long As I Can See" y es una deliciosa canción que seguramente les gustará a quienes disfrutaban de temas de Pájaros de Plomo como "Tren al Más Allá" o "Canción para la Mujer del Gusanito al Gorrión". El tema cuenta también con el dobro de Cristo Lugano como invitado. Florentino canta y toca todos los demás instrumentos.
Carmela Producciones realizó un videoclip de "As Long As I Can See", filmado en los bosques del sur argentino, locación más que apropiada para el aroma folk-rock de la canción. Se puede ver en el siguiente link: http://www.youtube.com/user/FlorentinoTV. ¡Que lo disfruten!